It has recently presented during the Altaroma Winter edition “Dark celebration”, the Spring/Summer 2020 haute couture collection by Sylvio Giardina, featuring catchy constructions and fine decorations that refining the garments as the headpieces and shoes designed by the celebrated shoe-designer Ernesto Esposito. A dark atmosphere under the sign of black – alternated by vibrant shades of orange and blue, as well as silver and gold of lame cloths -, which ends with the light of music, the music track “The Maze” by David Motion and Sally Potter (which is part of the “Orlando” movie soundtrack).
LA DARK CELEBRATION DI SYLVIO GIARDINA
È stata di recente presentata in occasione dell’ edizione invernale di Altaroma “Dark celebration”, la collezione alta moda primavera/estate 2020 di Sylvio Giardina, di cui sono protagoniste accattivanti costruzioni e raffinati decori che rifiniscono i capi come gli accessori per capelli e le calzature disegnate dal celebre designer Ernesto Esposito. Un’ atmosfera tenebrosa – all’ insegna del nero, alternata da vibranti nuances di arancio e blu, come anche argento e oro dei tessuti laminati – che si conclude con la luce di una musica, il brano “The Maze”di David Motion e Sally Potter (che fà parte della colonna sonora del film “Orlando”).
Details from the Sylvio Giardina Spring/Summer 2020 fashion show, the shoes by Ernesto Esposito for Sylvio Giardina, photo by N
The hydroponic green fountain by Vertical Farm Italia at Floracult, photo by N
It was just only one day I spent in the Rome countryside in La Storta at I Casali del Pino where it was held the tenth edition of Floracult, event created by the bright fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi, focused on the nature and its culture that featured books launches, talks and permanent installations to pay homage and celebrate the natural world and their little hosts. A smashing chance to come back, enjoy a beloved place, discover and share new ideas and emotions.
UNA GIORNATA A FLORACULT ALL’ INSEGNA DELLA NATURA E DELLA SUA CULTURA
A talk on sustanaibility in fashion design at Floracult featuring Andrea Lupo Lanzara(managing director of Rome Costume and Fashion Academy), Luigi Mulas Debois (professor and coordinator of bag design course at the Rome Costume and Fashion Academy), the students of Rome Costume and Fashion Academy and the fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi, photo by N
Soltanto un giorno, quello da me trascorso nella campagna romana a La Storta presso I Casali del Pino in cui si è tenuta la decima edizione di Floracult, evento creato dalla brillante fashion designer e attivista nel sociale Ilaria Venturini Fendi, incentrato sulla natura e la sua cultura di cui sono stati protagonisti presentazioni di libri, talks ed eventi permanenti per rendere omaggio e celebrare il mondo della natura ed i suoi piccoli ospiti. Una formidabile occasione per ritornare, apprezzare un luogo a me molto caro, scoprire e condividere nuove idee ed emozioni.
Floracult,, photo by N
Barni roses at Floracult, photo by N
Floracult, photo by N
Socially made in Italy, project developed by Carmina Campus, brand created by Ilaria Venturini Fendi, photo by N
Socially made in Italy, project developed by Carmina Campus, brand created by Ilaria Venturini Fendi, photo by N
Socially made in Italy, project developed by Carmina Campus, brand created by Ilaria Venturini Fendi along with the creations of jewelry brand See Me by Caterina Occhio made for the no-profit organization The Circle,, photo by N
Floracult, photo by N
Jewelry made of cactus at Floracult, photo by N
Floracult, photo by N
The AVF wines selection by Anna Venturini Fendi at Floracult, photo by N
The AVF capsule collection at Floracult, photo by N
Floracult, photo by N
Ilaria Venturini Fendi and Abderrazzak Benchaâbane, photo by N
Floracult, photo by N
Theodora Bugel and me at Floracult, photo by Sergio Cammariere
The emerging creativity made in Italy featured in Altaroma, a successful initiative which has made concrete through the teaming with ICE (Institute for the Foreign Commerce). Here every day different fashion designers of clothing, jewelry and accessories showcased the creations they made, having the chance of starting a dialogue with the buyers and fashion insiders. Day after day the fashion designers changed, this was the main feature of event which give the chance of seeing many products and discovering new, interesting ideas. Some have delightfully amazed me. One is the shoewear collection of brand from Marche Les Jeux Du Marquis, name which evokes in a playful way the name of celebrated Marquis Sade. Irony, romanticism, craftsmanship and fetish elements are embodied into a series of fun shoes, including crops and bow-ties that decorate them and are removable. Catchy is the creation featuring the lettering which reminds the orders of a mi stress,, categorical imperatives that are impressed over and under the nice shoe. A main feature of this label is the chance of having the shoes with different types of heels, from the lower to the higher and at an affordable price. It refines the showcase a wonderful artisanal unisex perfume and a series of bands that can be overlapped, turning also into handcuffs. Clear are the fetish suggestions that join with craftsmanship and an innovative leather manufacturing and are in the accessories and clothing collection of brand 0770, which includes different types of belts, collars and corset, totally black, under the sign of a refined, incisive, goth for all the enthusiasts, a genuine must have for metropolitan predators and glampires.
LA CREATIVITÀ EMERGENTE PROTAGONISTA DI SHOWCASE AD ALTAROMA
Les Jeux Du Marquis, photo by N
La creatività emergente made in Italy è stata protagonista di Altaroma, una felice iniziativa che è stata concretizzata mediante la collaborazione con l’ ICE (Istituto per il Commercio Estero). Ivi ogni giorno svariati fashion designers di abiti, gioielli e accessori hanno esposto le loro creazioni, avendo la possibilità di avviare un dialogo con i buyer ed i fashion insiders. Giorno dopo giorno i fashion designers cambiavano, peculiarità dell’ evento che consente di vedere vari prodotti e scoprire nuove interessanti idee. Alcune tra queste mi hanno piacevolmente sorpreso. Una di esse è la collezione di calzature del marchio marchigiano Les Jeux Du Marquis, nome che rievoca in chiave ludica il nome del celebre Marchese Sade. Ironia, romanticismo, artigianalità ed elementi fetish, è racchiusa in una serie di scarpe divertenti, i cui accessori quali frustini e papillon che le decorano sono rimovibili. Accattivante la creazione con lettering che richiama i comandi di una mistress, imperativi categorici impressi sopra e sotto la simpatica scarpa. Una peculiarità di questa linea è la possibilità di disporre di modelli con diversi tipi di tacchi, dal più basso al più alto e a un prezzo alla portata di tutti. Completa l’ esposizione una meravigliosa fragranza artigianale unisex e una serie di bracciali sovrapponibili, i quali si trasformano anche in manette. Chiari invece i richiami fetish che si uniscono all’ artigianalità e una lavorazione innovativa della pelle che si trovano nella collezione di accessori e abiti del brand 0770, la quale include vari tipi di cinture, gorgiere e corsetti, rigorosamente neri all’ insegna di un eleganza raffinata, incisiva, goth per tutti gli appassionati, un autentico must have per predatori metropolitani e glampires.
Joe Corrè, photo by Curtis Gibson, courtesy of A Child of the Jago
“One’s self I sing, a simple separate person,
Yet utter the word Democratic, the word En-Masse.
Of physiology from top to toe I sing,
Not physiognomy alone nor brain alone is worthy for the Muse, I
say the Form complete is worthier far,
The Female equally with the Male I sing.
Of Life immense in passion, pulse, and power,
Cheerful, for freest action formed under the laws divine,
The Modern Man I sing”.
Walt Whitman, “One’s self I sing”, in “Leaves of grass”
The lyrics by Walt Whitman are the best way to introduce my interview with Joe Corrè, his bright and romantic point of you, that romanticism I celebrate where the freedom is the higher value. He is the modern man sang by Whitman where passion, pulse and power are addressed to make the world a better place, invite people to question about everything in order to develop an autonomous way of thinking which is respectful of the world surrounding us. I could spend a lot of words to talk about Joe, his social activism (focused on supporting the Climate Revolution started by the mother Vivienne Westwood, the fight against the fracking and INEOS, which came during the last Fall came behind the British tribunals), the many talents and successes as businessman and fashion designer( Agent Provocateur, Illamasqua and A Child of the Jago are successful brands he created) , but I prefer to use the synthesis, a gift he owns, which makes his words precious. Irony, lightness, which is not frivolity, but consciousness, balance between activism and ability to enjoy life, its beauty embodied in its most simple forms shines in him and reminds me the Ancient Greek value of kalokagathia where what is beautiful has an ethic value or rather is good.
One of artworks by Joe Corrè featuring in the series “Ashes from Chaos”, photo by N
It can sounds like a hiatus to hear that, as it is connected to the one who set up the funeral pyre of punk, but this gesture, a provocation, it was a mere invitation to question about price and value, archetypes of the current commodified society, where the price – or rather money – replaces, gives or justifies the value, every value, as, it was asserted by the filmmaker Pier Paolo Pasolini, the consumption of goods has substituted by the consumption of people who are consumed by consumption. That is what happens in the mainstream which finds new tricks to increase the consumption. Yesterday, it happened in a certain place and time, in UK, in 2006 when Queen Elisabeth declared this year the year of punk, happening which increased the marketing connected to a movement which has arisen to question and subvert the ethic of mainstream. This was the fundamental issue connected to the Joe’s project Burn Punk London, the funeral pyre of punk which later turned into the artwork series “Ash from Chaos” recently showcased in London at the Lazinc Gallery and a film which is currently work in progress, reminding and subverting in a constructive way the celebrated slogan “Cash from Chaos”, symbol of punk era, impressed in a t-shirt worn by his father Malcom McLaren. Punk is dead – it just only stays alive its categorical imperative, the DIY, “Do it yourself” encouraging an independent and free way of living – but it will arise again from its ashes like the Arabian phoenix, through new forms and ideas, talking about evolution instead of revolution, hold the universe and the ones who people it, plants, flowers, animals and human beings. This is the new which advances and has Joe Corrè as its most relevant leading personas.
Stilll image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N
Fashion embodying a concept and vibrant ideas is like an artwork, makes you think about, do you agree with that?
“I don’t think about fashion, I am not interested in it or rather I am interested in fashion as statement of who you are and what you think. That is the most relevant feature of fashion which became an important means to connect people, increased by the social media and celebrities. And when it is connected the gossip and political element the connection reached is effective, because the other channels where people can express themselves politically as elections became difficult to relate, the individual cannot express his ideas, there are no places. I use considering that as a karaoke politics, it’s a global phenomenon. And it is just fashion which catches them – also through the political message which sometimes the celebrities support – touching and giving them the chance to express what they want to express, because fashion is global, popular”.
Ethics and aesthetics, more specifically what is good and beautiful ( the kalokagathia of Ancient Greeks) is a value for you?
“It is to do a simple solution if people concern to a simple beauty. All of us should learn to understand the beauty which exists, what it is and define it at best, as if you succeed to define beauty at best you are able to concern, understand, do the best choices and avoid of repeating the past mistakes. The big enemy of culture is the non-stop distraction which is inculcate and emphasized by social networks, computers. It is all about the value of beauty. That is why I come back to the issue of price and value (En. : the core of Burn Punk London project he made)”.
A detail from the installation “Ashes from Chaos”, by Joe Corrè, photo by N
To make fashion under the sign of the sartorialism (considering A Child of the Jago, the brand you created)is an alternative, antidote to the contemporary way of making fashion ?
“ A Child of the Jago is an anti-fashion brand. When I started that I was working with Agent Provocateur (the luxury underwear brand) and I wanted to do something more experimental as the volume of its business has became big and thus what has arisen for being very experimental turned into being less experimental due to that. To concentrate, get the luxury, to use the best fabrics coming from the fashion industry(also focusing on the local manufacture) and I used it in the best way I can. The small position granted me the chance of doing that. When you are a brand with many stores ( En.: Agent Provocateur have many stores worldwide, I like reminding a movie, “Romance & cigarettes” by John Turturro featuring Kate Winslet playing a young woman working as sales assistant for an Agent Provocateur flagship store) the creativity diminishes as you have to deal with other issues. Instead a small sartorial brand gave me the chance to do that”.
To create situations and draw new landscapes in a categorical imperative for you?
“I see urgency to act as in fracking. I firstly am as actionist, in this urgency of acting you become less effective. Then the purpose of activism loses its strength. To be effective you need balancing to be effective and appreciate the life in its simple forms. I think the goal is to hold this balance and often it is not easy”.
Still image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N
Are the anarcho- Situationist ideas by the French philosopher Guy Debord (En.: author of the cult book “The society of spectacle”) still current for you?
“Guy Debord committed suicide and was an alcoholic, his ideas (concerning the society of spectacle, the passage from being to having into from having to appearing) were interesting for his times. Today the culture of celebrity is very personal and we have a different urgency, we want an evolution, not the revolution, we want to maintain and protect what surrounds us”.
Could you talk me about the art-works series “Ash from Chaos” which is part of your project Burn Punk London as well as it further developments?
“Ash is the claim of the need of promotion of chaos. Ash from Chaos arises from Burn Punk London, which marks, as well as the film on which I am working, which is more an artistic product than a documentary on what I did, punk has become a marketing exercise to sell you something you don’t need. The illusion of an alternative choice, a cog in the nonstop distraction machine. The establishment endorsed impotent rebel. Whilst we are occupied with punk’s carcass of nostalgia in the pursuit of cool. Our house is being burgled and set on fire. What will be the value of its Ashes? DIY is punk’s only lasting ethic of value. Discover the truth for yourself and act on it. This is activism. You can choose, how you inform yourself, vote, what you eat, buy, consume and discard, where you put your money, how you participate in our future. It was ridiculous to burn everything, but I did it as provocation to focus on price and value. We destroy everything, it is a way to ask for an anti-reactionary way, as next time you see a reaction you think twice about what really was going on. We are all manipulated everyday and people are an isolated, lonely crowd, more connected and more isolated, passive. The question is to ask for and try to have a conversation focused on price and value, as this is exactly a description of chaos we have in the financial environment peopled by irresponsible politicians, banks and the corporations they serve”.
L’ UOMO MODERNO: JOE CORRÉ
Joe Corrè, photo courtesy of Burn Punk London
“Io canto l’ individuo, la singola persona,
Al tempo stesso canto la Democrazia, la massa.
L’ organismo, da capo a piedi, canto,
La semplice fisionomia, il cervello da soli non sono degni
Della Musa: la Forma integrale ne è ben più degna,
E la Femmina parimenti canto che il Maschio.
Canto la vita immensa in passione, pulsazioni e forza,
Lieto, per le più libere azioni che sotto leggi divine si attuano,
Canto l’ Uomo Moderno.
Walt Whitman, “Canto di me stesso, in “Foglie d’ erba”
I versi di Walt Whitman sono il modo più eloquente per introdurre la mia intervista a Joe Corrè, il suo brillante e romantico punto di vista, quel romanticismo che celebro in cui la libertà è il valore più elevato. È lui l’ uomo moderno cantato da Whitman la cui passione, pulsazioni e forza sono orientate a rendere il mondo un luogo migliore, invitare la gente a interrogarsi su qualsiasi cosa al fine di consolidare un modo autonomo di pensare che sia rispettoso dell’ ambiente che ci circonda. Potrei spendere tante parole per parlare di Joe, del suo attivismo nel sociale (proteso a sostenere la Climate Revolution avviata dalla madre Vivienne Westwood, la lotta contro il fracking e gli INEOS, giunta grazie a lui nell’ autunno dello scorso anno dinanzi alle corti inglesi), dei suoi vari talenti e successi come uomo d’ affari e fashion designer (Agent Provocateur, Illamasqua e A Child of the Jago sono marchi di successo da lui creati), ma preferisco avvalermi della sintesi, un dono da lui posseduto che rende preziose le sue parole. Ironia, leggerezza, che non è frivolezza, bensì consapevolezza, equilibrio tra attivismo e capacità di apprezzare la vita, la sua bellezza, nei suoi aspetti più semplici. Questo, ciò che brilla in lui e mi fa venire in mente un valore degli antichi Greci, la kalokagathia, in cui ciò che è bello ha una connotazione etica ovvero è buono.
Still image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N
Può sembrare uno iato sentire ciò, in quanto connesso a colui che ha allestito la pira funebre del punk, ma questo gesto, una provocazione, era un mero invito a interrogarsi su prezzo e valore, archetipi della attuale società mercificata, laddove il prezzo – o meglio il denaro – sostituisce, fornisce o giustifica il valore, qualsiasi valore, poiché, come sosteneva il regista Pier Paolo Pasolini, al consumo di merci si è sostituito il consumo di persone che sono consumate dai consumi. Questo è ciò che accade nel mainstream, il quale trova nuovi escamotages per incentivare il consumo. Ieri, succedeva in un determinato tempo e luogo, nel 2006, nel Regno Unito, quando la regina Elisabetta ha dichiarato tale anno l’ anno del punk, ciò ha accresciuto il marketing collegato a un movimento nato per criticare e sovvertire l’ etica di mainstream. Ciò era il fondamento del progetto Burn Punk London, la pira funeraria del punk che si è poi trasformata nella serie di opere d’ arte “Ash from Chaos” recentemente esposta a Londra presso la Lazinc Gallery e in un film che è attualmente in corso d’opera, la quale ricorda e stravolge in modo costruttivo il celebre slogan “Cash from Chaos”, emblema dell’ era del punk, impresso in una t-shirt indossata dal padre Malcom McLaren. Il punk è morto – resta vivo soltanto un suo imperativo categorico, il DIY, “Do it yourself” che incoraggia uno stile di vita libero e indipendente -, ma come l’ araba fenice, esso rinascerà nuovamente dalle sue ceneri, attraverso nuove forme ed idee che parlano di evoluzione e non rivoluzione, per mantenere intatto l’ universo unitamente a coloro che lo popolano, le piante, i fiori, gli animali e gli esseri umani. Ciò è il nuovo che avanza ed ha Joe Corrè tra i suoi protagonisti più rappresentativi.
A detail from the installation “Ashes from Chaos”, by Joe Corrè, photo courtesy of Burn Punk London
La moda che incarna un concetto e vibranti idee ti fa pensare, sei d’ accordo?
“Non penso alla moda, non ne sono interessato o meglio mi interessa la moda quale affermazione di chi sei e cosa pensi. Questo è il tratto più rilevante della moda, divenuta un importante mezzo di connessione della gente, incentivato dai social media e dalle celebrità. E quando si collega l’ elemento gossip e politico la connessione è efficace, dal momento che gli altri canali in cui le persone possono esprimersi politicamente come le elezioni sono diventati difficili ambiti a cui collegarsi. Sono solito considerare ciò come politica karaoke, un fenomeno globale. Ed è soltanto la moda a catturarli – anche attraverso il messaggio politico di cui talvolta le celebrità sostengono -, colpirli e dare a loro la possibilità di esternare ciò che vogliono esprimere, perché la moda è globale, popolare”.
Etica ed estetica, più specificamente ciò che è buono e bello (la kalokagathia degli antichi Greci) è un valore per te?
“Sarebbe una soluzione semplice se le persone avessero riguardo di una pura bellezza. Tutti noi dovremmo imparare a capire la bellezza che esiste, cosa essa sia e definirla al meglio, perchè se si riesce a definire al meglio la bellezza si è capace di averne riguardo, capire, fare le scelte migliori ed evitare di ripetere gli errori del passato. Il grande nemico della cultura è la ininterrotta distrazione che è inculcata ed enfatizzata da social media, computer. È una questione di valore della bellezza. Ecco perché ritorno sulla questione di prezzo e valore (ndr: il cuore del progetto Burn Punk London da lui realizzato)”.
Still image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N
Fare moda all’ insegna della sartorialità ( considerando A Child of the Jago, il brand da te creato) è una alternativa, un antidoto al modo contemporaneo di fare moda?
“A Child of the Jago è un marchio anti-fashion. Quando ho dato inizio a ciò stavo lavorando con Agent Provocateur (marchio di biancheria intima di lusso) e volevo fare qualcosa che fosse più sperimentale poichè il volume di questa azienda era divenuto enorme e pertanto ciò che era nato per essere estremamente sperimentale si era trasformato, in ragione di ciò, in qualcosa che lo era meno. Concentrarsi, riuscire ad avere lusso, usare i migliori materiali provenienti dall’ industria della moda ( anche rivolgendosi alla manifattura locale) e l’ ho usata nel miglior modo possible. La piccola posizione mi ha garantito la possibilità di fare ciò. Quando si è un marchio con varie boutiques ( ndr.: Agent Provocateur ha molteplici punti vendita in tutto il mondo. Mi piace ricordare un film, “Romance & cigarettes” di John Turturro con Kate Winslet che interpretava una giovane donna la quale lavorava come assistente alle vendite per un flagship store di Agent Provocateur) la creatività diminuisce, poiché devi occuparti di altre questioni. Invece un piccolo brand sartoriale mi offre la possibilità di fare ciò”.
Creare situazioni e disegnare nuovi paesaggi è un imperativo categorico per te?
“Vedo l’ urgenza immediate di agire come nel fracking. Sono per prima cosa un’ azionista, in questa necessità di agire si diventa meno efficaci. Il fine dell’ attivismo quindi perde la sua forza. Per essere efficaci si deve bilanciare l’ essere fattivo con l’ apprezzare la vita nelle sue forme più semplici. Penso che l’ obiettivo sia mantenere questo equilibrio e spesso ciò non è facile”.
Dress by A Child of the Jago, photo courtesy of A Child of the Jago
Le idee anarco-situationiste del filosofo francese philosopher Guy Debord (ndr: autore del libro di culto “La società dello spettacolo”) sono ancora attuali per te?
“Guy Debord si è suicidato ed era un alcolizzato, le sue idee ( inerenti la società dello spettacolo, il passaggio dall’ essere all’ avere nell’ avere all’ apparire) erano interessanti per i suoi tempi. Oggi la cultura della celebrità è molto personale e abbiamo una diversa urgenza, vogliamo una evoluzione, non la rivoluzione, vogliamo mantenere e proteggere ciò che ci circonda”.
“Ash from Chaos” a successful graphic transformation of the celebrated t-shirt “Cash from Chaos,” of Joe Corrè’s father Malcom McLaren, photo courtesy of Burn Punk London
Potresti parlarmi della serie di opere d’ arte “Ash from Chaos” che è parte del tuo progetto Burn Punk London come anche dei suoi ulteriori sviluppi?
“La cenere è la rivendicazione dell’ esigenza di promozione del caos. “Ash from Chaos”( “Cenere dal caos”) deriva da Burn Punk London, il quale sottolinea, come anche il film a cui sto lavorando, che è un prodotto artistico più che un documentario su ciò che ho fatto, che il punk sia divenuto un esercizio di marketing per vendere qualcosa di cui non si ha bisogno. L’ illusione di una scelta alternativa, una ruota dell’ ingranaggio nella macchina di distrazione continua. L’ establishment ha promosso il ribelle impotente. Mentre siamo occupati con la carcassa di nostalgia del punk alla ricerca del cool. La nostra casa sta per essere svaligiata e incendiata. Quale sarà il valore delle sue ceneri? Il DIY è l’ unica etica di valore che resta del punk. Scopri la verità per te stesso ed agisci in base ad essa. Questo è attivismo. Si può scegliere, come informarsi, votare, ciò che si mangia, compra, consuma e si getta via, dove mettere il proprio denaro, il modo in cui si partecipa al nostro futuro. È stato ridicolo bruciare tutto, ma l’ ho fatto come provocazione per soffermarsi su prezzo e valore. Noi distruggiamo ogni cosa, è un espediente per richiedere un modo anti-reazionario, poiché la prossima volta che si vede una reazione si pensa due volte a cosa sta succedendo in realtà. Siamo tutti manipolati ogni giorno e la gente è una massa isolata, sola, più collegata e altrettanto isolata, passiva. La problematica sta nel richiedere e provare ad avere una conversazione incentrata su prezzo e valore, poiché ciò è esattamente una descrizione del caos che abbiamo negli ambienti della finanza, popolati da politici irresponsabili, banche e le corporazioni che costoro servono”.
Nature, its culture, that is the main feature of nineth edition of Floracult, event created by the pioneering fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi which will be held from 20th to 22nd April 2018 at the I Casali del Pino, in La Storta, in the Rome countryside. Many will be the suggestions and initiatives connected to that as workshops, book-launches and permanent installations to discover the place surrounding us and new ways to start a deep dialogue, harmony with the natural world and its hosts. Stories of life as the one which will be told ( on 20th april 2018 at 10:30 am) by Elisabetta, Silvia, Liana Margheriti along with Isabella Casati di Monticelli who will talk about their experiences lived with Mario, the father, who introduced in the floristic marked many different plants that became of common usage. Walking in the wood will be the core of talk by the architect and environmentalist Filippo Lapadula ( which will be held on 20th April 2018 at 3:30 pm). “And now it changes”, that is the title of book by Andrea Degl’ Innocenti, journalist and co-founder of project Italia che cambia (which will be presented on 20th April 2018 at 17:30), which embodies a series of visions and actions to make this country more sustainable, fair and successful. A wonderful experience joining architecture, interior design and botany gave rise to Pnat, the projecting team coordinated by Stefano Mancusoand featuring the architects Antonio Girardi and Cristiana Favretto who will tell about their experience ( on 21st April 2018 at 3:30 pm), evidencing how the plants can be used as sensors, model for innovation and means to purity the air. During this event it will presented “Breath”, an installation evidencing to which extent the plants can be filters to remove the pollution there is in the atmosphere. Another precious consciousness is the one by the professor of arborea culture Giuseppe Barbera who invites, through the book the wrote, “To embrace the trees” ( its launch will be held on 21st April 2018 at 5:00 pm featuring the journalist, music expert and enthusiast gardener Carlo Massarini). The ending day of Floracult will feature a talk with an iconic persona of fashion and design scene, Li Edelkoort, who created Bloom, a magazine launched in 1998, to increase the contemporary lifestyles inspired by the love for the plants, flowers and garden. Many will be the permanent events as the art installation “Matter in the air” – curated by the artist Marijcke van der Maden along with Oriana Impei, professor of sculpture at the Rome Arts Academy, who will present the works by emerging Italian and foreigner emerging artist, made by drawing inspiration from the Casali del Pino -, the one by ArteViva which will show the art of loom as well as the many exhibitors of natural products, flowers, plants, Epicurean delights, garments and accessories. A not to be missed happening in a special place to discover and enjoy, where to go and come back.
NATURA É CULTURA: LE MERAVIGLIE DI FLORACULT
I Casali del Pino, photo by N
La natura, la sua cultura, questa la protagonista della nona edizione di Floracult, evento creato dalla pionieristica fashion designer e fervente attivista nel sociale Ilaria Venturini Fendiche si terrà dal 20 al 22 aprile 2018 presso I Casali del Pino, a La Storta, nella campagna romana. Molteplici le suggestioni e iniziative a essa legate quali workshops, presentazioni di libri ed eventi permanenti per scoprire il luogo che ci circonda e nuovi modi per avviare un profondo dialogo, un’ armonia con il mondo naturale ed i suoi ospiti. Storie di vita come quell ache sarà raccontata ( il 20 aprile 2018 alle ore 10:30) da Elisabetta, Silvia, Liana Margheriti insieme ad Isabella Casati di Monticelli che parleranno delle loro esperienze vissute con Mario, il padre, che ha introdotto nel mercato florovivaistico svariate piante divenute di uso comune.. Passeggiare per il bosco sarà il tema del talk dell’ architetto ed ambientalista Filippo Lapadula (che avrà luogo il 20 aprile alle ore 15:30). “E adesso si cambia”, codesto, il titolo del libro di Andrea Degl’ Innocenti, giornalista e co-fondatore del progetto Italia che cambia (che sarà presentato il 20 aprile alle ore 17:30), il quale racchiude una serie di visioni ed azioni per rendere questo paese più sostenibile, equo e felice. Una meravigliosa esperienza che unisce architettura, design e botanica ha dato vita a Pnat, il team di progettazione coordinato da Stefano Mancusodi cui sono protagonisti gli architetti Antonio Girardi e Cristiana Favretto, i quali narreranno la loro esperienza ( il 21 aprile 2018 alle ore 15:30), dimostrando il modo in cui le piante possano essere usate come sensori, modello per l’ innovazione e mezzo per purificare l’ aria. Durante tale evento sarà presentata “Breath”, un’ installazione che dimostra in che misura le piante possano fungere da filtri per rimuovere l’ inquinamento atmosferico. Un’ altra preziosa consapevolezza è quella del professore di coltura arborea Giuseppe Barbera che invita, tramite il suo libro, a “Abbracciare gli alberi” ( la cui presentazione si terrà il 21 aprile 2018 alle ore 17:00 con il giornalista, esperto di musica e appassionato giardiniere Carlo Massarini). La giornata conclusiva di Floracult avrà quale protagonista un iconico personaggio dello scenario della moda e del design, Li Edelkoort, la quale ha creato Bloom, un magazine lanciato nel 1998, per incentivare gli stili di vita contemporanei che si ispirano alle piante, ai fiori ed al giardino. Molteplici gli eventi permanenti tra cui l’ installazione artistica “Materia nell’ aria” – curata dall’ artista Marijcke van der Maden assieme a Oriana Impei, docente di scutura presso l’ Accademia di Belle Arti di Roma -, le quali presenteranno le opere di artisti emergenti italiani e stranieri, realizzate traendo ispirazione dai Casali del Pino -, quella di ArteViva che mostrerà l’ arte del telaio come anche i diversi espositori di prodotti naturali, fiori, piante, delizie epicuree, abiti ed accessori. Un evento imperdibile in un luogo speciale, da scoprire e apprezzare, in cui andare e ritornare.
Me, myself and I at Floracult, inviting to embrace the nature, photo by Meo Fusciuni
Bright colors, floral patterns, tartan, different lines, (over, short caressing the silhouette), lame, furs, constructions that reinterpret the fluid lines from the Seventies, geometries and constructivist graphics being part of the sign of sign by Marco De Vincenzo, who presented the awesome Fall/Winter 2018-2019 collection during the Milan Fashion Week. A successful dynamism, where fashion invites – as the bright fashion designer asserts – “to not protest, but just to live the life and go out, dressing up for launching a message to the world”, made of a little symbol as the rainbow, red ribbon which represents the fight against the HIV. It’s a concept, emphasized by prints and slogan launching political messages and drawing a thinking lifestyle where fashion, the dressing up becomes the chance to live, being in accordance with its own ideas under the sign of freedom and consciousness, made concrete in the everyday life through the elegance.
Marco De Vincenzo
L’ ELEGANZA PENSANTE DI MARCO DE VINCENZO
Marco De Vincenzo
Colori accesi, motivi floreali, tartan, una molteplicità di linee (over, corte che carezzano la silhouette), lurex, pellicce, costruzioni che reinterpretano le linee fluide degli anni Settanta, geometrie e grafismi costruttivisti che fanno parte del segno di Marco De Vincenzo, il quale ha presentato la splendida collezione autunno/inverno 2018-2019 in occasione della settimana della moda milanese. Un felice dinamismo , in cui la moda invita – come afferma il brillante fashion designer – “non a protestare, ma vivere la vita e uscire, vestendosi per dare un messaggio al mondo”, fatto anche di un piccolo simbolo come l’ arcobaleno, il nastro rosso che rappresenta la lotta contro l’ HIV. Un concetto, questo, enfatizzato da stampe e slogan che lanciano messaggi politici e disegnano no stile di vita pensante in cui la moda, l’ abbigliarsi diventa l’ occasione per vivere, essere, conformemente alle proprie idee, all’ insegna di libertà e consapevolezza, concretizzata nella quotidianità con l’ eleganza.
The plexiglass, its geometric shapes and bright colors join with the plated palladium brass (strictly green or rather lead and nickel free), pearls, Swarovski crystals and give rise to unusual and catchy jewels that combine tradition and innovation, the beautiful and well made and the excellence of made in Italy. These are the main features of the Fall/Winter 2018-2019 jewelry collection by Sylvio Giardina which is currently presented in Milan at the fashion tradeshow event White. The creations he made – hand-made earrings, necklaces and rings – are genuine passé-partouts, resulting from a successful alchemy which talks about incisiveness and refinement, modernity and uniqueness.
Sylvio Giardina
LA PREZIOSA ALCHIMIA DI SYLVIO GIARDINA
Sylvio Giardina
Il plexiglass, le sue forme geometriche e i suoi vivaci colori si uniscono all’ ottone placcato palladio(rigorosamente green ovvero privo di piombo e nickel) perle e cristalli Swarovski e danno vita a insoliti e accattivanti gioielli che coniugano tradizione e innovazione, il bello e ben fatto e l’ eccellenza del made in Italy. Questi i protagonisti della collezione di gioielli autunno/inverno 2018-2019 di Sylvio Giardina che in questi giorni è presentata a Milano presso l’ evento fieristico di moda White. Le sue creazioni – orecchini, collane e anelli fatti a mano – sono autentici passè-partout, il risultato di una felice alchimia che parla di incisività e raffinatezza, modernità e unicità.
A tale about migrants, the one by Antonio Marras, presented at the catwalk during the Milan Fashion week, allegory talking about the contemporary time and today migrations, accompanied by the hope that successfully solves as it happen to the forefather Jean-John Marras who moves from France to America, a story, this one, written by the wife Patrizia telling about the hard knocks, journeys, later ending with the coming back to Alghero and giving rise to one of the fashion designer’s ancestors. A journey in the catwalk which evokes atmospheres from early Nineties, emphasized by music and dances by dancers who alternate during the different moments of fashion show of the Fall/Winter 2018-2019 collection.
The dancers wearing Antonio Marras during the fashion show, photo courtesy of Antonio Marras
It shines languid, fluid and solemn architectures, enriched by accessories as the bags becoming belts and enhancing silhouette. Lace, tulle, red carnations prints, floral elements, precious decorations, along with sporty-chic suggestions as the sweathshirts with lettering draw an incisive lines strategy which is at the same time light ( featuring the red trench made of silk satin, the tuxedo jacket, patchwork jacket decorated with embroidery and lace, the inlaid bomber jackets and men coats with neck made of fur) under the sign of poetry and melancholy, the sadness which becomes lighter.
LA POESIA E MALINCONIA MIGRANTE DI ANTONIO MARRAS
Un racconto di migranti, quello di Antonio Marras, presentato sulla passerella durante la fashion week milanese, allegoria che parla del momento contemporaneo e delle migrazioni odierne, accompagnato dalla speranza che ciò si risolva felicemente come quello dell’ antenato Jean-John Marras che dalla Francia si sposta in America, una storia, questa, scritta dalla moglie Patrizia che ne racconta le peripezie, i viaggi, per poi ritornare ad Alghero e dar vita a uno degli antenati dello stilista. Un viaggio in passerella, che evoca atmosfere dei primi Novecento enfatizzate da musiche e danze di ballerini che si alternano durante i vari momenti della sfilata della collezione autunno/inverno 2018-2019.
Antonio Marras, photo courtesy of Antonio Marras
Splendono architetture languide, fluide e solenni, arricchite da accessori quali le borse che diventano cinture ed esaltano la silhouette. Pizzo, tulle, stampe di garofani, elementi floreali, preziosi decori, unitamente a suggestioni sporty-chic quali le felpe con lettering disegnano una strategia delle linee incisiva e al tempo stesso lieve (di cui sono protagonisti il trench di raso rosso, la giacca da smoking, le giacche patchwork impreziosite di ricami e pizzo, i bomber intarsiati e i cappotti da uomo con collo di pelliccia) all’ insegna di poesia e malinconia, la tristezza che diventa più leggera.
Applauses e criticisms – as the one appeared on Facebook by the renowned TV journalist Mariella Milani – featured in the Gucci Fall/Winter 2018-2019 collection, presented during the Milan Fashion Week. Beyond the dissent and plaudit for the bright work made by the creative director Alessandro Michele, it has to be recognized he built and defined incisively in a couple of years a concept the brand never had. It needs to remember Gucci is born as brand of accessories which comes to shine again under the creative direction of Tom Ford, getting a great success in the realm of ready-to-wear, though the sign of the American creative director prevailed over the heritage and concept of fashion house. Later Frida Giannini (who is also an ex-student, as Michele, of the Rome Fashion and Costume Academy where I teach) increased the work in the field of wearability of the garments and worked on the communication of brand.
Alessandro Michele went beyond that, he started to implement a successful operation of branding and know-how, made concrete also in the aesthetics of flagship stores. He revolutionized the brand and gave a conceptual identity which did not exist(in the ready to wear), through an awesome work of styling and communication. The fact speak: songs as “Gucci gang” by Lil Pump and the dress-code of Italian pop band making rap music as the Dark Polo Gang express an evidence: Gucci is a luxury brand which entered into the mainstream, desired by the youth people of every age. Concerning the sign, architecture and lines strategy followed by the creative director, there is an overlap of constructions, patterns coming from the costume archive, the street, the pop, underground culture and its icons, giving often rise to new-baroque, sporty chic suggestions and defining a clear and intelligible concept of elegance made of freedom, irony and fluidity. There is not anything new in the design, instead of styling and communication of brand, I add more, it’s contemporary. Gucci tells about different stories and follows standards as the fluidity, life as theatre of the self, emphasized by grotesque suggestions as the setting of recent fashion show, a surgery room with the hand cut off heads that mark the question of human being, its hybrid identity, ego, consciousness, making use of highly symbolic elements as the eyes on the hands. An existentialism of the dress-code, it’s the one by the brand directed by Alessandro Michele which says “do what you want”(Crowleyan quote under the sign of the love as law, put under the will of individual).
Gucci, photo courtesy of Gucci
A dress to think and be. Elegance is a lifestyle, it’s not the passivity of a consumer which chooses the total-look proposed by one or many fashion designers to be or worst disguise oneself, corollary of “vanity as ready to wear of narcissism”( bright synthesis of a thought belonging to me, asserted by the celebrated art critic and curator Achille Bonito Oliva). This verticality results from a culture, the one of single brand which later becomes cult and consuming culture. Thus I disagree with the famous Mariella Milani when she says: “more than being a trend it’s already a certainty: fashion is also having a strong identity crisis. The question between the most cool fashion designers is: Do we make clothes or launch proclamations and send messages that depict the time we live in order to evidence we also are able to “tell”?”. The fashion designers are thinking individuals representing, as what they make, the “Spirit of folks” (the “Volksgeist” by jurist and philosopher Karl von Savigny, misunderstood by Adolph Hitler in the book he wrote “Mein kampf”), as well as their tensions and emotions arising from living in a certain territory and time, therefore it’s natural to say something, something being genuine and having a sense. What Alessandro Michele says it has it. I comes back again on the words by Mariella Milani: “it is for sure a mirror of times, but is it possible fashion is doing all of this mess to sell rags”. This words seem like embodying a thought which looks at fashion as secondary discipline beside the visual arts, disqualifies and degrades it to the status of goods. Though fashion, the fashion product which is born to be sold, otherwise it does not exist is also other, it’s history, culture, elevation of the thought, it’s like an art work, it makes to think about. Why do I tell that? I wish in the forthcoming times fashion gets that dignity it had during the early Nineties, when at the Paris Museum of the Decorative Arts fashion, visual arts and design were all together, communicated between themselves, but to do that it needs going ahead and making more to dignify fashion and its culture, also and especially during dark and uncertain times where the cultural decadence, putrescence, mediocracy and obsolescence excels at many realms.
GUCCI: FLUIDITÀ E LIBERTÀ, IL SEGNO DEI TEMPI E DELLA MODA CONTEMPORANEA
Applausi e critiche – come quella apparsa su Facebook dalla autorevole giornalista televisiva Mariella Milani – sono stati i comprimari della collezione autunno/inverno 2018 di Gucci, presentata in occasione della fashion week milanese. Al di là del dissenso e del plauso verso il brillante lavoro svolto dal direttore creativo Alessandro Michele, va riconosciuto che in pochi anni costui ha costruito e definito in modo incisivo un concept che il marchio non ha mai avuto. E’ d’ uopo ricordare che Gucci nasce come marchio di accessori che ritorna a primeggiare sotto la direzione creativa di Tom Ford, riscuotendo un grande successo nell’ ambito del pret â porter, anche se è il segno del direttore creativo americano ha prevalso sull’ heritage e il concept della casa di moda. Successivamente Frida Giannini (anch’ella ex-allieva, come Michele, dell’ Accademia di Costume e Moda di Roma presso la quale insegno) ha ampliato il lavoro nell’ ambito della portabilità dei capi ed ha lavorato sulla comunicazione del marchio.
Alessandro Michele è andato oltre, ha iniziato a consolidare una felice operazione di branding e know-how, concretizzata anche nell’ estetica dei flagship store. Ha rivoluzionato il marchio e dato un’ identità concettuale che non c’era (nel pret â porter) mediante un mirabile lavoro di styling e di comunicazione. I fatti parlano: canzoni quali “Gucci gang” di Lil Pump e il dress-code di gruppi pop italiani che fanno rap quali i Dark Polo Gang esprimono un evidenza: Gucci è un marchio di lusso entrato nel mainstream, desiderato da giovani di tutte le età. Quanto al segno, all’ architettura e strategia delle linee seguita dal direttore creativo, si ritrova una sovrapposizione di costruzioni, patterns provenienti dall’ archivio di costume, dalla strada, dalla cultura pop, underground e dalle sue icone che sovente danno vita a suggestioni neo-barocche, sporty-chic e delineano un’ idea chiara ed intelleggibile di eleganza fatto di libertà, ironia e fluidità. Non c’è nulla di nuovo nel design, diversamente dallo styling e comunicazione del marchio, aggiungo ancor di più, è contemporaneo. Il marchio racconta storie diverse e segue dei parametri ben chiari: la fluidità, la vita come teatro del sé, enfatizzato da suggestioni grottesche come il setting della recente sfilata, una sala operatoria con teste mozzate a portata di mano che rimarcano il discorso sull’ essere, sulla sua identità ibrida, sull’ io, sulla consapevolezza, unitamente ad elementi altamente simbolici come gli occhi sulle mani. Un esistenzialismo vestimentario, quello del marchio diretto da Alessandro Michele che parla e dice “do what you want”( “fai ciò che vuoi” celebre aforisma Crowleyano all’ insegna dell’ amore quale legge, sovraordinato alla volontà dell’ individuo).
Gucci, photo courtesy of Gucci
Un abito per pensare ed essere. L’ eleganza è uno stile di vita pensante, non è la passività di un consumatore che si adagia al total-look proposto da uno o più fashion designer per essere o peggio travestirsi, corollario della “vanità quale pret â porter del narcisismo”(felice sintesi di un pensiero che mi appartiene, sapientemente espresso dal celebre critico d’ arte e curatore Achille Bonito Oliva). Questa verticalità è il risultato di una cultura, quella del singolo marchio che poi diventa culto, cultura del consumo. Pertanto dissento dalla illustre Mariella Milani quando afferma che “più che una tendenza ormai è una certezza: anche la moda è in preda a una violenta crisi di identità. La domanda che circola fra i designers più cool è: facciamo vestiti o lanciamo proclami e mandiamo messaggi che rappresentino il tempo che viviamo in modo da dimostrare che anche noi possiamo “dire” qualcosa?”. I fashion designer sono individui pensanti che, come ciò che fanno, rappresentano lo spirito del popolo ( il “Volksgeist” del giurista e filosofo Karl von Savigny, male interpretato da Adolph Hitler nel suo libro “Mein kampf”), nonché le loro tensioni ed emozioni derivanti dal vivere in un dato territorio e tempo, sicché è naturale il dire qualcosa, ma qualcosa di autentico e sensato. Il discorso di Alessandro Michele lo è. Mi soffermo nuovamente sulle parole di Mariella Milani: “sarà pure specchio dei tempi, ma possibile che ci si metta anche la moda a fare tutto sto casino per vendere stracci”. Sembra che queste parole racchiudano un pensiero che guarda alla moda come disciplina di secondo grado rispetto alle arti visive, la dequalifica e degrada allo status di merce. Eppure la moda, il prodotto moda che nasce per esser venduto altrimenti non esiste è anche altro, è storia, è cultura, è elevazione di pensiero, come un’ opera d’ arte, fa pensare. Perché dico ciò? Mi auguro che nei tempi a venire la moda acquisti quella dignità che aveva nei primi del Novecento, quando al Musée Des Art Décoratifs di Parigi, la moda, le arti visive e il design erano tutti insieme, comunicavano tra di loro, ma per far questo è necessario andare avanti e fare di più per dignificare la moda e la sua cultura, anche e soprattutto in tempi oscuri e incerti in cui la decadenza culturale, la putrescenza, la mediocrazia e l’ obsolescenza primeggia in molti ambiti.
The Winter edition of Altaroma featured “Showcase”, a bright project I appreciated very much ideated by the ICE Agency and Altaroma, which has concretely evidenced its support to the creativity made in Italy. To create connections between the Italian emerging brands with buyers, journalists, Italian and foreigners fashion insiders, that has been the purpose of this event, a laudable initiative which featured forty fashion designers – ten different ones alternated on every day – as Anna Porcu, 16R, Avaro Figlio Milano, Aroma 30, Nadiamari, The Dots, Mandredi Manara, Silvio Betterelli, Quattromani, Susana Traca, Delirious, Flaminia Barosini, Benedetta Bruzziches and many others who showcased the creations they made under the sign of a vibrant concept and a catchy design.
SHOWCASE UNA BRILLANTE INIZIATIVA DI ALTAROMA PER SOSTENERE LA CREATIVITÀ MADE IN ITALY
Quattromani, photo by N
L’ edizione invernale di Altaroma ha avuto quale protagonista “Showcase”, un brillante progetto da me molto apprezzato ideato dall’ AgenziaICE ed Altaroma, che ha concretamente dimostrato durante questi anni il suo sostegno verso la creatività emergente made in Italy. Creare connessioni tra i brand emergenti italiani con i buyers, giornalisti, addetti ai lavori italiani e stranieri, questa la finalità dell’ evento, una lodevole iniziativa di cui hanno fatto parte quaranta fashion designers – dieci diversi si sono alternati ogni giorno – quali Anna Porcu, 16R, Avaro Figlio Milano, Aroma 30, Nadiamari, The Dots, Mandredi Manara, Silvio Betterelli, Quattromani, Susana Traca, Delirious, Flaminia Barosini, Benedetta Bruzziches e molti altri che hanno esposto le loro creazioni all’ insegna di un vibrante concetto e un accattivante design.
Nadiamari, photo by N
Flaminia Barosini, photo by N
Flaminia Barosini, photo by N
Flaminia Barosini, photo by N
The Dots, photo by N
Susana Traca, photo by N
Delirious, photo by N
Manfredi Manara, photo by N
Mandredi Manara, photo by N
Aroma 30, photo by N
Avaro Figlio Milano, photo by N
Benedetta Bruzziches, photo by Anna Porcu
Benedetta Bruzziches, photo by N
Anna Porcu, photo by N
Anna Porcu, photo by N
Me, myself and I along with Anna Porcu, photo by Silvia Pavanello
fashionbeyondfashion.wordpress.com 