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Alexis Mabille and the collection he made
Alexis Mabille, bright French designer, sparkling, joyful individual with whom recently I was pleased to talk, successful chance where he told me about the new project he launched “HOM”, a new collection of male underwear and swimwear, ideated to fade the boundaries between ready to wear and underwear, featuring creations under the sign of sophistication, irony – emphasized by the slogan “Alexis m’habille me déshabille” standing as “Alexis Mabille undresses me” and appearing on the t-shirts -, high-quality, comfort and retro suggestions reminding me the Thirties and Deauville beach.
What are the main features of your male underwear collection?
“Comfort, I faded the idea underwear can be considered as a part of clothing being in between, opposed to ready to wear, in order to refine the male elegance under the sign of sensuality without pushing too much on the sexuality. Thus I gave priority to the idea of comfort and choice of high-quality materials as German, Switzerland and Italian cotton. The sensuality has made concrete by a play of lines, the use of prints and construction of creations emphasizing the male silhouette, but joining comfort. Underwear is something to wear, everyone wears underwear and has to feel its comfort. Comfort and high quality are the main features of my collection, but I also ideated the collection without following the seasonal cycle of ready-to-wear, as I preferred thinking about underwear as a non-seasonal collection”.
What are the fabrics – featuring also in the female underwear as lace – did you think of using?
“I worked on female underwear when I worked for Dior and I used lace, I continued using lace and other materials usually featuring in the women clothing in my menswear ready-to-wear collection, but I don’t think of using lace for the male underwear as I’m focused on the idea of reaching comfort as priority as well as sophistication through classical lines, high quality materials along with a bit of humour, thinking about something to wear for being fine. However I don’t dismiss the idea of using other materials as silk, linen or yarns as bamboo”.
What are your forthcoming projects?
“Beyond working on my womenswear haute-couture collection and menswear ready-to-wear collection I’m continuing to work as costume designer for Dita Von Teese and I’m also involved in another project as costume designer of which now I prefer avoiding to talk”.
“HOM” IL NUOVO PROGETTO DI ALEXIS MABILLE
Alexis Mabille
Alexis Mabille, brillante designer francese, frizzante, gioiosa individualità con la quale recentemente sono stata lieta di parlare, felice occasione in cui mi ha raccontato del nuovo progetto da lui lanciato, “HOM”, una nuova collezione di intimo e costumi da bagno da uomo, ideate per attenuare i confini tra prêt-à-porter e intimo, di cui sono protagoniste creazioni all’ insegna della raffinatezza, ironia – enfatizzata dallo slogan “Alexis m’habille me déshabille” che significa “Alexis Mabille mi sveste” e appare sulle magliette -, alta qualità, comfort e suggestioni retrò che mi ricordano gli anni Trenta e la spiaggia di Deauville.
Quali sono le principali caratteristiche della tua collezione di intimo da uomo?
“Comfort, ho attenuato l’ idea che l’ underwear possa essere considerate una parte di abbigliamento che sta a metà, opposto al prêt-à-porter al fine di rifinire l’ eleganza maschile all’ insegna della sensualità senza insistere troppo sulla sensualità. Pertanto ho dato priorità all’ idea del comfort e della scelta di materiali d’alta qualità quali cotone tedesco, svizzero e italiano. La sensualità è stata concretizzata da un gioco di linee, l’ uso di stampe e la costruzione di creazioni che enfatizzano la silhouette maschile, ma uniscono il comfort. L’ intimo è qualcosa da indossare, tutti indossano l’ intimo e devono sentirne il comfort. Comfort ed alta qualità sono le principali caratteristica della mia collezione che è stata ideata al fine di non seguire il ciclo stagionale del prêt-à-porter poiché ho preferito pensare all’ underwear come una collezione non stagionale”.
Quali sono i materiali – comuni anche all’ intimo da donna come il pizzo – che hai pensato di usare?
“Ho lavorato all’ intimo da donna quando collaboravo Dior ed ho usato il pizzo, ho continuato a usare il pizzo ed altri materiali solitamente protagonisti dell’ abbigliamento da donna nella mia collezione prêt-à-porter uomo, ma non penso di avvalermi per pizzo per l’ intimo uomo, poiché sono concentrato sull’ idea di soddisfare il comfort quale priorità come anche la raffinatezza attraverso linee classiche, senza tempo, l’ alta qualità dei materiali unitamente a un pizzico di humour, pensando a qualcosa da indossare per stare bene. Comunque non escludo di utilizzare altri materiali quali la seta, il lino o filati quali il bambù”.
Quali sono i tuoi prossimi progetti?
“Oltre a lavorare sulla mia collezione alta moda da donna e la collezione prêt-à-porter uomo, sto continuando a lavorare nelle vesti di designer di costumi per Dita Von Teese e sono anche coinvolto in un altro progetto nelle vesti di designer di costumi del quale adesso preferisco non parlare”.
Alexis Mabille
Quali sono i materiali – comuni anche all’ intimo da donna come il pizzo – che hai pensato di usare?
“Ho lavorato all’ intimo da donna quando collaboravo Dior ed ho usato il pizzo, ho continuato a usare il pizzo ed altri materiali solitamente protagonisti dell’ abbigliamento da donna nella mia collezione prêt-à-porter uomo, ma non penso di avvalermi per pizzo per l’ intimo uomo, poiché sono concentrato sull’ idea di soddisfare il comfort quale priorità come anche la raffinatezza attraverso linee classiche, senza tempo, l’ alta qualità dei materiali unitamente a un pizzico di humour, pensando a qualcosa da indossare per stare bene. Comunque non escludo di utilizzare altri materiali quali la seta, il lino o filati quali il bambù”.
Quali sono i tuoi prossimi progetti?
“Oltre a lavorare sulla mia collezione alta moda da donna e la collezione prêt-à-porter uomo, sto continuando a lavorare nelle vesti di designer di costumi per Dita Von Teese e sono anche coinvolto in un altro progetto nelle vesti di designer di costumi del quale adesso preferisco non parlare”.
- A sketch by Judith Clark depticting the setting of exhibition at Venice Fortuny Museum
Maria Luisa Frisa, eclectic and bright individual who is the Director of Fashion Design Faculty of Iuav University of Venice, fashion critic, author and fashion curator recently tells about the new project involving her, a fashion exhibition she curated along with Judith Clark promoted by the Venice Civic Museums Foundation and Diana Vreeland Estate which will be held in Venice from 9th March to 26th June 2012 at the Fortuny Museum, paying homage, reconstructing and telling about the genius of Diana Vreeland – legendary fashion editor of “Harper’s Bazaar” and editor-in-chief of Vogue who influenced the way to perceive and catch fashion yesterday and today as well as the way to display fashion in the Museums, being been consultant at Costume Institute of the New York Metropolitan Museum of the arts -, a successful chance to talk about fashion and fashion curating, being also the theme of an international meeting – organized during the opening of exhibition by the The Iuav University of Venice in collaboration with the London College of Fashion-University of the Arts London and the Centre for Fashion Studies of Stockholm University – which will be held on 10th March 2012 as well as exploring the fashion grammar and its imagery, Diana Vreeland contributed yesterday to develop and showcase and Maria Luisa Frisa today researches, defines, tells and showcase at best.
What is the path did you choose to tell in the exhibition you curated about the charismatic Diana Vreeland?
“I’m really very bound to the persona Diana Vreeland as fashion editor at editor at “Harper’s Bazaar” (1936-1962) and later visionary editor-in-chief of “Vogue America” (1962-1971), as well as curator of fashion exhibition, during her time spent at the Costume Institute of Metropolitan Museum from 1972 to 1989, year of her death. I started working on the Vreeland’s legacy in 2008, during the installation Vreelandesque, organized by Class Editors and curated by me that celebrated the Vreeland style and her visionary approach to fashion by a display of magazine for whose she worked as well as by editing of pictures of the exhibitions she curated. It has arisen since that project the will of bringing on more complex level the reflection about the fashion exhibitions and fashion curating and the fundamental role of Diana Vreeland in the evolution of these two aspects of that complex discipline that is fashion.
The exhibition, curated by Judith Clark and me, promoted by the Venice Civic Museum Foundation and Diana Vreeland Estate, will be held at the Fortuny Museum from 9th March to 26th June 2012. It’s the first exhibition explicitly reflecting on the complexity of Vreeland’s work, who has been simultaneously editor and curator and on her ability to use fashion as extraordinary flywheel for the imagination. It’s not only a fashion exhibition, but a chance to understand how and when many of imaginaries of contemporary fashion have arisen.
The exhibition tries to put a focus on the magnificent, imaginative journey that Diana Vreeland went through during the Nineties: the exhibition will be divided between the noble floor and the second floor of Fortuny Museum, a journey through 3 cores that – I believe – can tell very much about Diana Vreeland. It starts from elements of her personal style and obsessions, being fundamental to define her approach as a curator in the display and interpretation of fashion. Then it follows with the exploration of Diana Vreeland as a curator through her innovative exhibition projects: a series of typical museum cases, will emphasize the elements that featured in exhibitions by Diana Vreeland. Obviously the mannequins will have a central role, alluding to the original installations by Diana Vreeland and ideated exclusively for the exhibition by Judith Clark along with the La Rosa company. The magazines (original issues of “Harper’s Bazaar” and “Vogue America”), the catalogues and the books released during the exhibitions she curated will be the last core of the exhibition: a complex editorial work reflecting her ability to catch in advance tastes and trends through the Nineties.
The exhibitions by Diana Vreeland also includes a series of dresses, many of them to be seen for the first time in Italy as items of Saint Laurent and Givenchy worn by Diana Vreeland and coming from the archives of the New York Metropolitan Museum of Art, in addition to some extraordinary Balenciaga items lent from the Balenciaga Museum, recently opened in Getaria, the most iconic creations by Saint Laurent from the Pierre Bergé-Yves Saint Laurent Foundation, precious items that marked the Nineties fashion coming from important private and institutional collections, including items of Chanel, Schiaparelli, Missoni, Pucci and the costumes of Russian Ballets.”
Are there an satellite events you organized around the exhibition?
“The Iuav University of Venice – where I head the degree course in Fashion Design – organizes on 10th March 2012 during the opening of exhibition, an international meeting in collaboration with the London College of Fashion-University of the Arts London and the Centre for Fashion Studies of Stockholm University. The meeting, focused on the discipline of fashion curating features the most important names in International realm of fashion museum and curating of fashion exhibition as Harold Koda, Akiko Fukai, Kaat Debo, Alexandra Palmer, Amy de la Haye, Becky Conekin, Stefano Tonchi, Miren Arzalluz. It starts from the experience of Diana Vreeland at the Met and continues with a series of reflections about the topic of fashion curating and the relationship between fashion, installations and museums. I am involved in the day of studies which is part of the Curatorial Practices and fashion museography. The project in fashion, came out of the Department for research at the Iuav University of Venice. One more advance towards a better fashion presence between the academic disciplines in Italy”.
Do you think in our times there are other icons in the fashion system or publishing as powerful as Diana Vreeland?
“All of the stylists today are already genuine celebrities. They are photographed, featured on the blogs, editors of blogs where they show themselves and show their point of view about fashion. I think this genuine cult of personality is an evolution of what was already suggested by Diane Vreeland when she was a fashion editor at “Harper’s Bazaar” and later on as the editor-in-chief at “Vogue”. Now that the stylist has moved from the backstage to the center stage: it makes it more difficult (but maybe more interesting) to be unique and influential. The path towards a conscious self-styling, simultaneously detailed as well as visionary, makes it more difficult to rule”.
“Never fear being vulgar, just boring”, to which extent do you agree with the assertion of Diana Vreeland?
“The genius of Diana Vreeland was expressed above all by creating a grammar of excess. The exhibition and the release of the book – which coincides with the exhibition – is curated by me and Judith Clark and has the intention – of being naturally difficult – in order to reconstruct this visual and conceptual grammar. The intention is for the exhibition to create a setting for Diana Vreeland’s flamboyant vision of fashion, Diana talked about excess, allure, chic, pizazz, all terms that are now part of the fashion vocabulary. Naturally there is no fear of being vulgar, but there is still a need to measure the elements that give rise to excess. There is intuition, but also a specific algebraic system, allowing (or rather looking for) the mistake without losing sight of an equation of style, combining the natural with the artifice. A fashion algebra, which reminds me a lot of what Anna Piaggi tells us on her double pages” in Italian Vogue”.
What has changed in fashion print publishing, what stays from the past and what do we disguard?
“The magazine is here to stay. The double page is a fundamental unit for the construction of an issue and is an important element in expressing visual tales. We will always have the legacy left behind by great visionaries such as Alexey Brodovitch who was a graphic designer and art director of Harper’s Bazaar for nearly a quarter of a century including Diana Vreeland’s “Bazaar” years. He is the one that designed the mythological column by Vreeland, “Why don’t you…”.
What is your opinion about Diana Vreeland as a consultant to the Costume Institute of the Metropolitan Museum of Art in New York (who wanted the exhibitions to look like a part of the present instead of the past)?
“It’s the force of interpretation the risk always assumed by a curator. It’s an approach that doesn’t question the rigorous and fundamental work of curator (reconstruction the history of an object, dress, describing that in its own materiality and inserting in the age it came from), but it uses these views to make arising further reflections about the culture and fashion history, with a view starting from the past to develop new stories and catch never explored path”.
“The trouble with this country is that they want to give the public what it wants. Well, the public wants what it can get, and it‘s up to the museum to teach them what to want public”, said Diana Vreeland, is this assertion still contemporary?
“The answer is a complex one as it needs to take into consideration different types of museums (decorative arts, contemporary art, fashion, etc.). It must be said that still in Italy we do not have a genuine fashion museum that is of a level that it can compete with the big International museums and institutions. There are a few significant realities, but it still lacks, for example, a workable mechanism of connection. I think this has more to do with the outdated status of Italian reflection about the fashion culture. With this exhibition we are trying to bring a higher level of the discussion of these themes with Italian fashion. One must be very contemporary and it is urgent to resolve this problem with an Italian fashion museum”.
Considering the eclecticism of your work, what is your approach to define, observe, dialogue and promote art, fashion, culture and innovation?
“To act as a curator means that we must give rise to reflections about the visual contemporary culture which embodies fashion and art works. In acting as the director of a fashion school, the degree Course in Fashion Design at the Iuav University of Venice: my intention is to create a place that is a fertile ground for academic research and which helps to form a new generation of fashion designers”.
GRAMMATICA DELLA MODA & CURATELA DI MODA: IL GENIO DI DIANA VREELAND RACCONTATO DA MARIA LUISA FRISA
- Veruschka in Yves Saint Laurent, photo by Irving Penn, Vogue 1st September 1965
Maria Luisa Frisa, eclettica e brillante individualità che é il Direttore della Facoltà di Fashion Design della Università Iuav di Venezia, critico di moda, scrittrice fashion curator, parla recentemente dell’ ultimo progetto che la coinvolge, una mostra di moda da lei curata unitamente a Judith Clark, promossa dalla Fondazione Musei Civici di Venezia ed il Diana Vreeland Estate che si terrà a Venezia dal 9marzo al 26 giugno 2012 presso il Museo Fortuny che rende omaggio, ricostruisce e racconta il genio di Diana Vreeland – leggendaria fashion editor di “Harper’s Bazaar” e direttore editoriale di “Vogue” che ha influenzato il modo di percepire e catturare la moda ieri ed oggi come anche il modo di esporre la moda nei Musei, essendo stata curatrice al Costume Institute del Metropolitan Museum of the Arts di New York -, una felice occasione per parlare di moda e curatela di moda che è il tema di un convegno internazionale – organizzato in occasione della mostra dalla Università Iuav di Venezia in collaborazione con il London College of Fashion-University of the Arts London ed il Centre for Fashion Studies of Stockholm University – che si terrà il 10marzo 2012 come anche per esplorare la grammatica della moda ed il suo immaginario che Diana Vreeland ha contribuito ieri a consolidare ed esporre e che oggi Maria Luisa Frisa ricerca, definisce, racconta ed espone al meglio”.
Quale percorso hai scelto per ricostruire e raccontare nella mostra da te curata la carismatica Diana Vreeland?
“Sono particolarmente legata alla figura di Diana Vreeland, sia in quanto fashion editor ad “Harper’s Bazaar” (1936-1962) e poi visionario direttore a “Vogue America” (1962-1971), sia in quanto curatore di mostre di moda durante il suo periodo al Costume Institute del Metropolitan dal 1972 al 1989, anno della sua morte. Ho iniziato a lavorare sull’ eredità di Vreeland nel 2008 in occasione dell’installazione Vreelandesque, organizzata da Class Editori e da me curata che celebrava lo stile Vreeland e il suo approccio visionario alla moda attraverso una esposizione delle riviste a cui ha lavorato, come anche montaggi di immagini delle mostre che ha curato. Da quel progetto è nato il desiderio di portare a un livello più complesso la riflessione sulle mostre di moda e sul fashion curating e sul ruolo centrale di Diana Vreeland nell’evoluzione di questi due aspetti di quella complessa disciplina che è la moda.
La mostra, curata da Judith Clark e da me, promossa dalla Fondazione dei Musei Civici di Venezia e dal Diana Vreeland Estate, sarà allestita al Museo Fortuny, dal 9 marzo al 26 giugno 2012. Si tratta della prima mostra che riflette in modo esplicito sulla complessità del lavoro di Diana Vreeland, simultaneamente editor e curator e sulla sua capacità di usare la moda come straordinario volano per l’immaginazione. Non solo una mostra di moda, quindi, ma l’occasione per capire come e quando sono stati messi a fuoco buona parte degli immaginari della moda contemporanea.
La mostra cerca di restituire l’incedere immaginifico con cui Diana Vreeland ha attraversato la moda del Novecento: il percorso espositivo sarà articolato fra il piano nobile e il secondo piano del Museo Fortuny, un viaggio attraverso tre nuclei che crediamo possano raccontare Diana Vreeland molto bene. Si parte dagli elementi del suo stile personale e dalle sue ossessioni, fondamentali nel definire il suo atteggiamento curatoriale rispetto alla messa in scena e all’interpretazione della moda. Poi si prosegue nell’esplorazione di Vreeland come curatore attraverso i suoi innovativi progetti allestitivi: un serie di teche, elemento museale per eccellenza, enfatizzerà gli elementi che hanno caratterizzato le mostre di Diana Vreeland; ovviamente un ruolo centrale avranno i manichini che alludono agli allestimenti originali di Vreeland e sono progettati appositamente da Judith Clark insieme alla ditta La Rosa. Ultimo nucleo in mostra saranno le riviste (numeri originali di “Harper’s Bazaar” e “Vogue America”) e i cataloghi e i libri usciti in occasione delle mostre da lei curate: un complesso lavoro editoriale che attraverso il Novecento e riflette la sua capacità di intercettare e anticipare gusti e tendenze.
Le mostre di Diana Vreeland includono da una serie di abiti, molti dei quali saranno visti per la prima volta in Italia quali i capi di Saint Laurent e Givenchy indossati da Diana Vreeland e provenienti dal Metropolitan Museum of Art di New York, alcuni straordinari pezzi di Balenciaga prestati dal Cristóbal Balenciaga Museum, recentemente inaugurato a Getaria, le creazioni più iconiche di Saint Laurent dalla collezione della Fondation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent, preziosi esemplari che hanno segnato la moda del Novecento provenienti da prestigiose collezioni private e aziendali fra cui capi di Chanel, Schiaparelli, Missoni, Pucci e costumi dei Balletti Russi”.
Hai organizzato altri eventi collaterali ad essa?
“L’Università Iuav di Venezia – presso la quale dirigo il Corso di Laurea in Design della moda – in occasione dell’inaugurazione della mostra organizza il 10 marzo 2012 un convegno internazionale in collaborazione con il London College of Fashion-University of the Arts London e con il Centre for Fashion Studies della Stockholm University. Il convegno, dedicato alla disciplina del fashion curating, prevede la partecipazione dei nomi più importanti nel panorama internazionale dei musei della moda e della cura delle mostre di mode quali Harold Koda, Akiko Fukai, Kaat Debo, Alexandra Palmer, Amy de la Haye, Becky Conekin, Stefano Tonchi, Miren Arzalluz. Il convegno parte dall’ esperienza di Diana Vreeland al Met e continua con una serie di riflessioni sul tema del fashion curating ed il rapporto fra moda, allestimenti e musei. Ho allestito una giornata di studi che fa parte della ricerca Pratiche curatoriali e museografia della moda. Il progetto nella moda che rientra nelle attività dell’unità di ricerca del Dipartimento per la ricerca dell’Università Iuav di Venezia. Un altro passo verso una maggiore presenza in Italia della moda fra le discipline accademiche”.
Ritieni che oggi esistano altre icone nel fashion system o nell’ editoria della moda talmente formidabili come Diana Vreeland?
“Tutti gli stylist di oggi sono ormai delle vere e proprie celebrities. Sono fotografati, sono protagonisti dei blog, sono autori a loro volta di blog in cui si espongono ed espongono il loro punto di vista sulla moda. Credo che questo vero e proprio culto della personalità abbia che fare con una delle possibili evoluzioni di quello che ha suggerito Vreeland al tempo in cui era fashion editor a “Bazaar” e successivamente nelle vesti di come direttore editoriale a “Vogue”. Adesso gli stylist sono passati dal backstage al centro della scena: questo però rende più difficile (ma forse più interessante) essere unici e influenti. Il percorso verso un self-styling consapevole, simultaneamente preciso e visionario, è molto più arduo da stabilire”.
“Non bisogna aver paura di essere volgari, soltanto di esser noiosi”, in che misura sei d’ accordo con l’affermazione di Diana Vreeland?
“La genialità di Vreeland si è espressa soprattutto attraverso la messa a punto di una grammatica dell’eccesso. La mostra e la pubblicazione del libro – che coincide con la mostra – è da me sempre curata e da Judith Clark e si pongono come obiettivo – certamente difficile – quello di ricostruire questa grammatica visuale e concettuale. La finalità è la messa a punto per la mostra della visione flamboyant della moda di Diana Vreeland, Diana parlava di eccesso, allure, chic, pizazz, tutti termini che sono ormai entrati a far parte del vocabolario della moda. Sicuramente non bisogna aver paura di essere volgari, ma bisogna anche saper dosare gli elementi che innescano l’eccesso. C’è intuito, ma anche un preciso sistema algebrico che si permette (e anzi cerca) l’errore, senza perdere di vista un’equazione di stile che mescola naturalezza e artificio. Un’algebra della moda che mi ricorda moltissimo quella di cui parla Anna Piaggi a proposito delle sue doppie pagine su Vogue Italia”.
Cosa è cambiato nell’ editoria di moda cartacea, cosa resta del passato e cosa lasciamo?
“La rivista resterà sempre. La doppia pagina è un’unità fondamentale per la costruzione di un’ edizione ed è un importante elemento per l’ espressione dei racconti visuali. dedicati alla moda e ai suoi immaginari. Del passato resterà sempre l’ eredità di grandi visionari come Alexey Brodovitch che è stato grafico e art director di Harper’s Bazaar per circa un quarto di secolo, compresi gli anni di Diane Vreeland di “Bazaar”. Costui è colui che ha messo in pagina la mitologica rubrica di Vreeland, “Why don’t you…”.
Qual è la tua opinione sull’approccio seguito da Diana Vreeland nelle vesti di consulente del Costume Institute del Metropolitan Museum of Art di New York (la quale voleva le mostre apparissero come parte del presente invece del passato)?
“È la forza dell’interpretazione, il rischio sempre assunto da un curatore. Si tratta di un atteggiamento che non mette in discussione il lavoro rigoroso e fondamentale del curatore (che ricostruisce la storia di un oggetto, di un abito, descrivendolo nella sua materialità e collocandolo correttamente nel suo periodo di appartenenza), ma che utilizza questi aspetti per innescare riflessioni ulteriori sulla cultura e la storia della moda, con uno sguardo che parte dal passato per costruire nuove storie e intercettare traiettorie non ancora esplorate”.
“Il problema di questo paese è che vogliono dare al pubblico ciò che vuole. Ebbene il pubblico vuole ciò che non può ottenere e spetta al museo per insegnargli ciò che vogliono”, diceva Diana Vreeland, questa affermazione è ancora attuale?
“La risposta è complessa, soprattutto perché richiede di considerare diverse tipologie di musei (arti decorative, arte contemporanea, moda, ecc.). Mi limito semplicemente a sottolineare che in Italia manca ancora un vero e proprio museo della moda, in grado di confrontarsi con i grandi musei ed istituzioni internazionali. Ci sono alcune poche realtà significative, ma ancora manca, per esempio, un funzionale meccanismo di raccordo. Credo che tutto questo abbia a che fare con lo stato ancora arretrato della riflessione italiana sulla cultura della moda. La mostra e il convegno sono anche il tentativo di portare a un livello superiore il dibattito italiano rispetto a questi temi in relazione alla moda italiana. Una questione di grande attualità e urgenza è risolvere questo problema con un museo della moda italiana”.
Considerando l’eclettismo della tua opera qual è il tuo approccio per definire, osservare, far dialogare e promuovere arte, moda, cultura e innovazione?
“Agire come un curatore significa innescare riflessioni rispetto alla cultura visuale contemporanea che racchiude le manifestazioni della moda e quelle dell’arte. Agire come direttore di una scuola di moda, il corso di laurea in Design della moda dell’Università Iuav di Venezia:la mia intenzione è creare un luogo che sia un terreno fertile per la ricerca accademica ed aiuti a formare una nuova generazione di fashion designer”.
Veruschka in Valentino and De Barentzen, photo by Franco Rubartelli. Vogue 1st April 1967
Benedetta Barzini in Grès, photo by Irving Penn and the editorial by Diana Vreeland, Vogue 1st September 1967
Coat by Yves Saint-Laurent ( Fall/Winter 1969 collection) , photo by Duane Michals for Yves Saint Laurent, catalogue of the exhibition curated by della mostra Diana Vreeland (New York, The Costume Institute at The Metropolitan Museum of Art, 14th December 1983-2nd September 1984), New York, The Metropolitan Museum of Art, 1983
Costume worn by Joan Crawford in The Bride Wore Red (1937) made by Adrian, photo by Keith Trumbo featuring in the book by Dale McConathy with Diana Vreeland, Hollywood Costume. Glamour! Glitter! Romance!, New York, Harry N. Abrams, 1976, made after the exhibition Romantic and Glamorous Hollywood Design, curated by Diana Vreeland (New York, The Costume Institute at The Metropolitan Museum of Art, 21st December 1974-31st August 1975)
"Why don't you", the double pages by Diana Vreeland, Harper's Bazaar, December 1936 issue (first year Diana Vreeland works for “Bazaar”, who started on March 1936)
"Why don't you", the double pages by Diana Vreeland, Harper's Bazaar, May 1941 issue ( last time it appears the editorial)
Dress by Madeleine Vionnet (1925-1926), photo by Irving Penn featuring in Inventive Paris Clothes 1909-1939 (New York, The Viking Press, 1977), book made teaming with Diana Vreeland after the exhibition The 10s, The 20s, The 30s. Inventive Clothes 1909-1939, curated by Diana Vreeland (New York, The Costume Institute at The Metropolitan Museum of Art, 13th December 1973-3rd September 1974)
- Delfina Delettrez
Ironic, bright, she caressingly approaches the other, sweet magnetic and sensual, that and much more than this is the jewelry designer Delfina Delettrez successfully joining genius, beauty and an unstoppable creativity, made concrete in the collection she made – exhibited at the Paris Louvre Museum – featuring new-pagan atmospheres: the skulls that made her celebrated and the latest creations, genuine sculptures embodying female hair, joined to metal, leather, precious gems, wrapped in resin that are part of “Love is in the air”, collection presented during the latest edition of Paris Fashion Week. The designer talked about herself with modesty and genuineness, telling about her suggestions and creativity, a nice afternoon conversation in Rome – city deeply binding the creative -, joyfully walking on the historical centre and visiting her store, placed in Via Del Governo Vecchio 67, in the area of Piazza Navona, the art of jewel small, great cathedral.
What are the suggestions – New-Paganism, Surrealism – and channels of communications – film, art, music, literature
- inspiring you?
The art, the avantgardes of Surrealism, Futurism inspire me though I’m inspired by everything and my city especially, Rome, a city being to discover where I love loosing and finding myself. Basically it’s the personal taste inspiring me, when I create I don’t think about something or someone in particular, even if there are things acting as an input to start, but the item later is refined according to my taste, the most personal there is. Therefore every time I complete a creation I’m the first one who wears, holds that and understands what fits or doesn’t fit well .
There is an age, a persona you are very bound?
I very often like to imagine my jewels, worn by women, lived during the Thirties. Maybe they made a mistake from on high, as I should be born in the Thirties, time fascinating me. I read only biographies about women who lived during those times who are bringers of a strong personal story as Elsa Schiaparelli and the Marquise Luisa Casati-Stampa di Soncino, because they were more free to express themselves during those years.
How much irony there is in yourself as creative and woman?
There is much irony in myself as woman. I think irony is the most important thing in life. The irony is something I immediately feel in an individual, not the same irony I have, but a well structured irony. It is essential to take life with irony. I transmit the irony there is in myself by my jewels. Yes, it’s ok the idea of “memento mori”, but there is a skull smiling, joined to flowers, colors, frogs as a bracelet I’m very fond of, one of the first ones I made, featuring a skull between two frogs. I have chosen the frog as it gave me the idea of vitality, the frog, an animal living with the heart in throat.
L’ARTE DEL GIOIELLO: DELFINA
DELETTREZ
Delfina Delettrez
Ironica, brillante, dolce, magnetica e sensuale, avvicina carezzevolmente l’altro, questo e molto altro è la designer di gioielli Delfina Delettrez che unisce felicemente ingegno, bellezza ed una inarrestabile creatività, concretizzata nelle sue collezioni – che sono state esposte presso il Museo del Louvre di Parigi – di cui sono protagoniste atmosfere neo-pagane: i teschi che l’hanno resa famosa e le sue ultime creazioni, autentiche sculture che incorporano capelli di donne unite a metallo, pelle, gemme preziose, racchiuse nella resina che fanno parte di “Love is in the air”, collezione presentata in occasione dell’ ultima edizione della fashion week parigina. La designer si è raccontata con modestia e genuinità, parlando delle sue suggestioni e di creatività, una piacevole conversazione pomeridiana a Roma – città alla quale la creativa è molto legata -, passeggiando gioiosamente per il centro storici e visitando il suo store, ubicato in Via Del Governo Vecchio 67 nei dintorni di Piazza Navona, piccola, grande cattedrale dell’ arte del gioiello.
Da quali suggestioni – neopaganesimo, surrealismo – e canali di comunicazione – cinema, arte, musica, letteratura – trai ispirazione?
L’ arte, le avanguardie del surrealismo, futurismo mi ispirano, pur traendo ispirazione da ogni cosa e specialmente dalla mia città, Roma, una città tutta da scoprire in cui amo perdermi e ritrovarmi. Essenzialmente è il gusto personale a ispirarmi, quando creo non penso a qualcosa o qualcuno in particolare, anche se esistono cose che fungono da input per iniziare, però poi il pezzo viene rifinito in base al mio gusto, il più personale che c’è. Perciò ogni volta che ultimo una creazione sono la prima a provarle, tenerle e capire ciò che va e che non va.
Esiste un’ epoca, un personaggio iconico a cui sei molto legata?
Molto spesso mi diverto a immaginare i miei gioielli indossati da donne vissute negli anni Trenta. Forse si sono sbagliati dall’ alto, perché sarei dovuta nascere negli anni Trenta, periodo che mi affascina. Leggo solo biografie di donne vissute in quegli anni che hanno una storia forte alle spalle quali Elsa Schiaparelli e la Marchesa Luisa Casati-Stampa di Soncino perché erano molto più libere di esprimersi in quegli anni.
Quanta ironia c’ è in te come creativa e come donna?
C’è tanta ironia in me come donna. Penso che l’ ironia sia la cosa più importante nella vita. L’ironia è qualcosa che sento subito in un individuo, non la mia stessa ironia, ma un’ ironia ben strutturata. Prendere la vita con ironia è una cosa fondamentale. Nei miei gioielli trasmetto l’ ironia che è in me. Si, va bene l’idea del “memento mori”, però c’ è un teschio che ride, unito a fiori, colori a rane come un bracciale a cui sono molto affezionata, uno dei primi che ho realizzato in cui c’è un teschio in mezzo a due rane. Ho scelto la rana perché mi dava l’ idea di vitalità, la rana, un animale che vive con il cuore che le batte in gola.
Delfina Delettrez
Delfina Delettrez
Delfina Delettrez
Delfina Delettrez
"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez
"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez
"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez
"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez
"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez
"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez
"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez
Manish Arora
Manish Arora, genius designer native of New Delhi – one of the most bright names of contemporary fashion, successfully overlapping avant-garde suggestions, to art and craftsmanship, featuring magnificent embroideries -, celebrated creator of his brand and current designer of Paco Rabanne, talks about his close relationship with color, inspirations as well as the forthcoming projects under the sign of fashion and Epicureism involving him. A joyful conversation, reminding me an unforgettable quotation by the author Lawrence Sterne, appearing in his novel “Life and Opinion of Tristram Shandy”: «every time a man smiles, but much more so, when he laughs, that it adds something to this Fragment of life».
Do you talk about your approach with the color(a leitmotiv of your work)?
“Coming from India, color has always fascinated me. I love to create garments that bring a smile to people’s faces and I try and achieve it with bursts of cheerful colors and embroideries. I design for a woman who is confident and isn’t afraid to stand out in the crowd”.
What are your main sources of inspiration and the inspiration of your latest collection?
“I am inspired by everything around me. Be it people, places, architecture, landscape- anything that catches my eye! Concerning my Fall/Winter 2011-2012 collection( ed: of whose shoes has made in collaboration with Nicholas Kirkwood and Pollini) the inspiration is the free spirit of a woman being part gipsy and new age style icon, as well as the elements of the magic dolls by Amrie Hoffstater(an artist based in Berlin). The prints featuring in my creations are developed in collaboration with her and are mixes with colours and hand-made embroideries”.
What are your forthcoming projects?
“I am busy designing the SS 12 collection for my own label as well as Paco Rabanne for the upcoming Paris Fashion Week in September. I have recently collaborated with Paris Café de la Paix in Place de L’Opera to design a special patisserie called “Best of Five by Manish Arora” which will be available from 16th September 2011 to 15th January 2012(Ed: a pastry – pink, the favourite colour of Manish Arora – heart shaped, evoking the designer’s logo, putting together five totally different tastes and consistencies in the same dessert: an almond paste base, crème-brûlée-style vanilla cream, mango mousse, mini-cubes of apple and white chocolate, all wrapped in a slab of bright red chocolate, which gives the entire creation volume and movement, a genuine Epicurean masterpiece). There are few more projects in the pipeline but I cannot comment on them just yet”.
UNA GIOIOSA CONVERSAZIONE CON MANISH ARORA, IL RE DEL COLORE
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora, geniale designer natio di Nuova Delhi – uno dei più brillanti nomi della moda contemporanea che sovrappone felicemente avveniristiche suggestioni all’arte ed artigianalità di cui sono protagonisti magnifici ricami, un leimotiv della sua opera – creatore del suo celebre marchio e attuale designer di Paco Rabanne, parla della sua stretta relazione con il colore, le ispirazioni come anche i progetti futuri all’insegna di moda ed epicureismo che lo coinvolgono. Una gioiosa conversazione che mi fa ripensare ad un’indimenticabile affermazione dello scrittore inglese Lawrence Sterne che appare nel suo romanzo “Vita e Opinioni di Tristram Shandy”: «ogni volta che un uomo sorride, ma ancor più quando ride, aggiunge qualcosa alla sua breve esistenza».
Mi parli del tuo approccio con il colore( un leitmotiv della tua opera)?
“Venendo dall’ India, il colore mi ha da sempre affascinato. Amo creare abiti che portano il sorriso sui volti delle persone e ci provo e riesco con esplosioni di colori vivaci e ricami. Disegno per una donna che é sicura e non ha paura di distinguersi dalla massa”.
Quali sono tue principali fonti di ispirazione e l’ispirazione della tua ultima collezione?
“Mi ispira tutto ciò che mi circonda”. Sia la gente, i luoghi, l’architettura, il paesaggio, tutto ciò che catturi il mio sguardo! Riguardo alla mia collezione autunno/inverno 2011-2012 (ndr: le cui calzature sono state realizzate in collaborazione con Nicholas Kirkwood e Pollini) l’ispirazione è lo spirito libero di una donna che è in parte zingara e in parte un’icona di stile new age, come anche gli elementi delle bambole magiche di Amrie Hoffstater( un’ artista che vive a Berlino). Le stampe che appaiono nelle mie creazioni sono state realizzate in collaborazione con lei e sono combinate a colori e ricami fatti a mano”.
Quali sono i tuoi prossimi progetti?
“Sono impegnato a disegnare la collezione primavera/estate 2012 per il mio marchio come anche Paco Rabanne per la prossima Fashion Week parigina a settembre. Ho recentemente collaborato con il Café de la Paix di Parigi in Place de l’ Opera per realizzare una speciale selezione di pasticceria chiamata “Best of Five by Manish Arora”(ndr: un pasticcino a forma di cuore – rosa, colore preferito di Manish Arora – che evoca il logo del designer e unisce cinque sapori e consistenze totalmente diverse nello stesso dessert: una base di pasta di mandorla crema alla vaniglia stile crème-brûlée, mousse al mango, cubetti di mela e cioccolato bianco, avvolti tutti in una barretta di brillante, rosso cioccolato che dà all’intera creazione volume e movimento, un autentico capolavoro epicureo) che sarà disponibile dal 16 settembre 2011 al 15 gennaio 2012. Ci sono ulteriori progetti in cantiere ma al momento non posso ancora parlarne”.
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Manish Arora Fall/Winter 2011-2012
Best of five by Manish Arora
Manish Arora
The bright and eclectic artist France de Griessen -, musician, painter, actress and author of whose latest album “Electric ballerina”(Teen Machine/ Rue Stendhal) which will be released on 26th September 2011. The artist will perform on 22nd September 2011 in Belgium at the Verviers Spirit of 66 and on 14th October in Paris at the Nouveau Casino -, interviewed with Laura Ka, up-and-coming fashion and costume designer and artistic director of the French brand “Who is Molly”, who told about
her multidisciplinary approach and idea of fashion.
You’ve got both a degree in theatre history and a training in fashion design. In what ways has this pluridisciplinary approach influenced your work?
“If you consider my professional career right from the beginning, I mostly started with the visual arts. I constantly need to do something with my
two hands. It’s a near-vital need! My interest in fashion came a little later. It all actually started with the customization of clothing, as many teenagers do. It’s just that I have never stopped since then! I felt that I wanted to learn how to make a garment. However, I had such an interest in theatre and films that I was torn between these two activities and fashion. The fashion world has always fascinated me but at the same time, I felt repulsed by the stilted side of it all.
The fact that I started by studying theatre and cinema at university has helped me to keep up with the theoretical studies that meant so much to me. I was mostly interested by scenography, which was an option at university and the only subject in which I transcended all the set rules for the presentation of end of semester files. I presented large sketch pads, with samples for garments I would potentially and eventually need for costumes, while my university fellows presented files linked with printing, which were very meticulous and precise. Thankfully, presenting these sketches has greatly contributed to my obtaining my bachelor’s degree. This was also the year where I started to understand that standing out and taking risks were precious assets.
Afterwards, I’ve wanted to start working as a costume designer.
I have a tendency to go off the beaten track and I thus naturally decided to prepare a dressmaking CAP as an independent candidate. Simultaneously, I worked as a babysitter to sustain myself.
These are my first years as a Parisian. Afterwards, luck had it that I stumbled upon a sewing workshop in Montreuil. Despite its being a small and
modest place, I had the chance to be taught there the haute-couture techniques and made-to-measure modelling. This marked a real turning point in my life.
I would say that this unusual career path has allowed me to juggle with two jobs, essentially, that of clothes designer and costume designer. I believe this to be an essential background for the job I have chosen to do. Versatility is a primary quality if we are to cope with different situations and carry out different projects successfully.
I would end by saying that the most useful training I have received till now are my different experiences in life, be they good or bad”!
What aspects do you like the most about the creating process in fashion?
“The creative process, along with the relational activities attached to it, is by far what I love the most about my job. I draw my inspiration for my creation from everything that surrounds me. I observe all that’s around me, I meet wonderful people, I live things which are totally surrealistic at times! And it is all of these, this mixture, which trigger this irrepressible urge in me to take a piece of cloth, a pair of scissors and to try to transmit a little bit of something of all these different atmospheres I bask in. I sometimes stop a few seconds in this fast moving life and realize how much it is precious and important to be able to share a little bit of all this to whomever wishes to listen to it, to see it, to feel it. I would be unable to describe all the different emotions that sparkles in me while working in my tiny workshop all night long, listening endlessly to the same music. It’s at times like these that I actually abandon myself totally to my passion. No other job could be as stimulating me as this one is!
The creative process means a lot of things, many steps to be taken simultaneously: it could be the idea that gently sprouts in my head, the development of a garment, the choice of models, the photographer and the organization for the shooting. It’s also the development of the image I wish to transmit. This represents 70% of the work to be done. The choice of my team is determining, of course. I am very demanding with the people who work with me, as I am demanding with myself.
Above everything, it’s a question of feeling, and for the meantime I have always had the chance to work with absolutely incredible artists, people so generous and talented that I sometimes even have the feeling that I don’t deserve all of this!
Why choose the fabric as the artistic support, this is the question that I sometimes ask myself. I believe the fluidity of a garment, the fact that the fabric marries the contours of a body to be pretty magical; the way in which our hands, our movements have to adapt themselves to the garment, as when we have to handle silk or jeans, for example; the way we have to bend ourselves to the demands of the fabric… The work of a modelist could sometimes be compared to some sort of dance with the fabric – our attitude, our gestures are all conditioned by the fabric which we have to work on, the type of sewing it requires, the way in which we would like the fabric to fall, all of this is simply extraordinary”!
Are there any recurring themes in your designs?
“I believe that I can blatantly answer that they are the nude colours, bows and a near pathological obsession for purity and ethereal atmospheres.
I don’t necessarily mean white when I speak of purity. The super-exposition of a photography, the totally uncluttered cut of a dress and ethereal atmospheres are all pretty much stereotyped patterns but I nevertheless particularly cherish those, even though all of this is much more complicated, all is not either black or white, it’s all a question of shades, of subtleties.
I am fascinated by adolescence and again, I have no definite answer to the reason of this interest. I devour literature (Jeffrey Eugenides, Joyce Carol Oates, Lolita Pille), films (Larry Clark or again the cult film, Donnie Darko, a few independent films as “Stranded”, a medium-length film of the Australian Stuart Mc Donald) and many more (the first episodes of “Skins”, the beautiful book of the creator Anne Valérie Hash who follows her model muse Lisa Lou Lesage from childhood to adolescence through the beautiful clichés presenting her collection) dealing with the relation to life which are the preoccupations of many teenagers or adults. I totally refuse cultural elitism, all is good enough to see, to read, to listen to, to smell. Without wanting to sound far-fetched, I would say that adolescence is that step in life where all of our senses are in a lively and ebullient, where life is still full of happy promises one day and seems to be terribly appalling the next. The energy of teenagers is inexhaustible, I hope I’d be able to keep a smidgeon of it till the end of my life!
When I set myself to work, I get totally nerdy and I let myself be rocked by the environment that surrounds me, by my thoughts. It’s a near surrealist approach and I believe Surrealism to be one of the richest of all artistic movements. I cannot explain why this bow is at this place, I cannot explain why this fabric is pink rather than any other colours. This is pure sensitivity. It’s sometimes hard to be totally confident about these choices, I regularly ask myself why I’m totally off the track but at the end of the day, I make the choice to believe in myself. There are often failures, of course! But we tend to forget them pretty quickly…
Dreams and wanderings of the soul are also very important in my work. It is sometimes hard to loaf around, as one may say, but I somehow manage to find a few moments every week, to let my thoughts spin, watch a piece of silk muslin fall off from a bag, observe the fabric without touching it, hang at my supplier’s, all the while imagining all that could be done with this or that fabric. The wish to buy all of them and then to quietly leave with a little length of silk or soft jersey which has already taken the shape of the little dress in my head”!
“WHO IS MOLLY?”, UNA CONVERSAZIONE CON LAURA KA A CURA DI FRANCE DE GRIESSEN
Who is Molly, photo by Kimdary Yin
La brillante ed eclettica artista France de Griessen - musicista, pittrice, attrice e scrittrice il cui ultimo album “Electric ballerina”(Teen Machine/ Rue Stendhal) sarà pubblicato il 26 settembre 2011. L’artista si esibirà il 22 settembre 2011 in Belgio presso lo Spirit of 66 di Verviers ed il 14 ottobre 2011 a Parigi presso il Nouveau Casino -, ha intervistato Laura Ka, designer, costumista emergente e direttore artistico del brand francese “Who is Molly” che ha parlato del suo approccio multidisciplinare e della sua concezione della moda.
Hai una laurea in storia del teatro e una formazione nell’ambito del fashion design. In che modo questo approccio multidisciplinare ha influenzato il tuo lavoro?
“Considerando la mia carriera professionale dai suoi inizi, ho per lo più iniziato con le arti visive, avevo costantemente bisogno di fare qualcosa con le mie mani. È come una esigenza vitale! Il mio interesse per la moda è venuto un pò più tardi. È iniziato di fatto con la customizzazione di abiti, come molti teenager fanno. È che non ho mai smesso di farlo da allora! Sentivo che volevo imparare come realizzare un capo. Comunque, avevo un notevole interesse per il teatro e cinema che mi trovavo tra queste due attività e la moda. Il mondo della moda mi ha sempre affascinato, ma al tempo stesso mi sentivo respinta dalla dimensione pomposa di tutto ciò.
Il fatto che ho iniziato a studiare teatro e cinema all’università mi ha aiutato a star dietro agli studi teorici che significava molto per me. Mi ha maggiormente interessato la scenografia che era uno studio opzionale all’università e la sola materia in cui ho trasceso il corpo di regole per la presentazione delle cartelle per la fine del semestre. Ho presentato ampi blocchi di bozzetti con campioni di vestiti di cui avrei potenzialmente avuto bisogno per i costumi, mentre i miei compagni di università avevano presentato cartelle unite a stampa che erano molto dettagliate e precise. Fortunatamente, la presentazione di questi bozzetti ha ampiamente contribuito al conseguimento della mia laurea. Questo era l’anno in cui ho cominciato a capire che distinguersi e assumersi dei rischi erano beni preziosi.
Successivamente, ho voluto intraprendere il lavoro di costumista.
Ho la tendenza a procedere da sola e perciò ho naturalmente deciso di preparare un cappello sartoriale nelle vesti di candidato indipendente. Lavoravo al tempo stesso come babysitter per mantenermi.
Questi erano i miei primi anni da parigina. Dopo, la fortuna ha fatto che abbia trovato per caso un workshop di cucito a Montreuil. Malgrado fosse in un luogo piccolo e modesto, ho avuto la possibilità di apprendere ivi le tecniche di alta moda e modellistica fatta su misura. Ciò ha determinato una reale svolta nella mia vita.
Direi che questo insolito iter lavorativo mi ha permesso di riuscire a conciliare due lavori, essenzialmente quello di designer e costumista. Credo che sia un background essenziale per il lavoro che ho scelto di fare. La versatilità è una qualità primaria se stiamo per occuparci di diverse situazioni e concretizzare felicemente diversi progetti.
Concluderei dicendo che l’esperienza più utile di formazione che ho ricevuto finora è tratta dalle mie diverse esperienze di vita, belle o brutte”!
Quali aspetti del processo creativo di moda prediligi?
“Il processo creativo, unitamente alle attività relazionali ad esso collegate, è di gran lunga ciò che amo di più nel mio lavoro. Traggo ispirazione per la mia creazione da tutto ciò che mi circonda, incontro persone meravigliose, talvolta vivo cose che sono totalmente surrealistiche! Ed è essenzialmente tutto ciò, questo mix che scatena questo forte desiderio di prendere un pezzo di stoffa, un paio di forbici e provare a trasmettere un pò di tutte queste differenti atmosfere che mi fanno gioire. Talvolta mi fermo un paio di secondi in questa vita che si muove a velocità e mi accorgo quanto sia prezioso ed importante essere capaci di condividere un pò di tutto questo per chiunque si auguri di ascoltare, vedere e sentire ciò. Sarei incapace di descrivere tutte le diverse emozioni che brillano in me quando lavoro nel mio laboratorio tutta la notte, ascoltando all’infinito la stessa musica. È in momenti come questi che mi abbandono completamente alla mia passione. Nessun altro lavoro potrebbe essere così stimolante per me come questo!
Il processo creativo significa tante cose, molti passi devono essere intrapresi simultaneamente: potrebbe essere l’idea che delicatamente germoglia nella mia mente, la realizzazione di un abito, la scelta delle modelle, la fotografa e l’ organizzazione del servizio fotografico. È anche la la realizzazione dell’immagine che mi auguro di trasmettere. Ciò rappresenta il 70% del lavoro che deve essere realizzato. La scelta del mio team è naturalmente determinante. Sono molto esigente con le persone che lavorano con me, perché sono esigente con me stessa. È sopra ogni cosa una questione di feeling e nel mentre ho sempre avuto la possibilità di lavorare con artisti assolutamente incredibili, persone talmente generose e talentuose che qualche volta ho anche la sensazione di meritare tutto ciò!
Perché scelgo il tessuto come supporto artistico, questa è la domanda che spesso pongo a me stessa. Credo che la fluidità di un abito, il fatto che il tessuto si sposa con i contorni di un corpo sia molto magico; il modo in cui le nostre mani, in nostri movimenti debbano adattarsi all’abito, come quando ad esempio dobbiamo maneggiare la seta o il jeans; il modo in cui dobbiamo piegarci dinanzi alle richieste del tessuto… Il lavoro di una modellista potrebbe essere paragonato a una sorta di danza con il tessuto – la nostra attitudine, i nostri gesti sono tutti condizionati dal tessuto su cui dobbiamo lavorare, il tipo di cucitura che richiede, il modo in cui ci piacerebbe che il tessuto cadesse, tutto ciò é semplicemente straordinario”!
Ci sono dei temi ricorrenti nelle tue creazioni?
“Credo che posso rispondere spudoratamente dicendo che siano i colori nudi, fiocchi ed una ossessione vicina alla patologia per la purezza e le atmosfere eteree.
La sovraesposizione di una fotografia, il taglio completamente pultito di un abito e le atmosfere eteree sono tutti motivi molto stereotipati, ma ciònondimeno li adoro particolarmente, benchè tutto ciò sia molto più complicato, non è tutto bianco o nero, è una questione di sfumature, sottigliezze.
Sono affascinata dall’adolescenza e nuovamente, non ho alcuna risposta definita alla ragione di questo interesse. Divoro letteratura(Jeffrey Eugenides, Joyce Carol Oates, Lolita Pille), film (Larry Clark o il cult-movie “Donnie Darko”, alcune pellicole indipendenti quali “Stranded”, un film di medio metraggio dell’australiano Stuart Mc Donald) e molti altre cose (i primi episodi di “Skins”, il bel libro della creatrice Anne Valérie Hash che segue la sua modella, musa Lisa Lou Lesage dall’ infanzia all’adolescenza attraverso bei cliché che presentano la sua collezione) che affrontano il relazionarsi alla vita che sono preoccupazioni di molti teenager o adulti. Rifiuto completamente l’elitarismo culturale, ogni cosa è abbastanza bella da vedere, leggere, ascoltare, sentire. Senza voler sembrare esagerata, direi che l’adolescenza è quel momento della vita in cui tutti i nostri sensi sono vivi e il successivo sembra essere terribilmente spaventoso. L’energia dei teenager è inesauribile, spero che sia capace di mantenere una piccola parte di ciò fino al termine della mia vita!
Quando mi appresto a lavorare, comincio a fare la sgobbona e mi lascio cullare dall’ambiente che mi circonda, dai miei pensieri. É vicino all’approccio surrealista e credo che il surrealismo sia uno dei più fecondi movimenti artistici. Non posso spiegare la ragione per cui questo fiocco si trovi in questo posto, non posso spiegare perché questo tessuto sia rosa piuttosto che in qualsiasi altro colore. Questa è pura sensibilità. Talvolta é difficile fidarsi completamente di queste scelte, mi chiedo spesso perchè sto del tutto fuori strada, ma alla fine della giornata, scelgo di credere in me stessa. Naturalmente ci sono spesso fallimenti! Ma tendiamo a dimenticarci di loro abbastanza velocemente…
Sogni e vagabondaggi dell’anima sono anche molto importanti nel mio lavoro. Talvolta è difficile oziare in giro, perchè uno potrebbe dire, ma per qualche motivo riuscire a trovare dei momenti ogni settimana per lasciare i miei pensieri far girare i miei pensieri, guardare un pezzo di mussola di seta scivolare da una borsa, osservare il tessuto senza toccarlo, indugiare su quelli del mio fornitore, immaginando nel contempo tutto ciò che potrebbe essere realizzato con questo o quel tessuto. La speranza di comprarli tutti e poi tranquillamente restante con un piccolo metraggio di seta o morbido jersey che ha già preso la forma del piccolo abito che è nella mia testa”!
Who is Molly?, photo by Kimdary Yin
Who is Molly?, photo by Kimdary Yin
Who is Molly?, photo by Kimdary Yin
Who is Molly?, photo by Kimdary Yin
Who is Molly?, photo by Kimdary Yin
Who is Molly?, photo by Kimdary Yin
Who is Molly?, photo by Kimdary Yin
Laura Ka, photo by Kimdary Yin
France de Griessen wearing a dress by Who is Molly?
Lopeti Etu, photo by King Redman
Lopeti Etu, bright milliner who is born in Oceania at Tonga and lives in New York – recently participating at the creative invitation launched by Stephen Jones on the virtual platform Talenthouse which give the chance toyoung designer of showcasing their creation during the exhibition “Hats: an Anthology” which will be held on September 2011 in New York at the Bard Gratuate Center – talk about himself, telling about his life, the memories from past, present, his inspirations. A marvelous conversation evidencing the artistic approach, used for creating his visionary hats, living life under the sign of joy for the little, big things, featuring in everyday life, something that should be more frequently remembered to enjoy its magic.
Could you talk me about your career as milliner, when did you start creating hats?
“I was inspired by my grandfather and the little village I came from in Tonga. My grandfather was very creative with his hands and could make anything, like everyone else in my village of Kolonga, resourcefulness is a survival skill. When I moved to San Francisco I lived with a bunch of artists and that is where I rediscovered my love for making hats. I moved to New York, got involved in the club scene, and it took decades before I started making hats again professionally. With the encouragement of my business partner David Balluff, we decided to create the brand Lopeti Etu Millinery. It’s been two years now and it definitely has its ups and downs, but I would not have it any other way. The response has been incredible. I love working for myself and I cannot believe I waited this long”.
To which extent the – downtown NYC – art scene does influence your work as milliner?
“I do not go out anymore, so I rely on what I see every day for inspiration. New York is always inspiring because it stops for no one and the energy is contagious. I feel like no matter what’s going on, when I get on the train, I begin to navigate my destiny that day. It is never what you plan it in your head but it becomes what is. I sometimes feel that I see a lot in this city and understand very little, if anything at all. I may be so focused on a woman’s silhouette that I forget where I’m going. What I take away from art is everything and nothing. I don’t know what artists are trying to say sometimes and I like things that maybe I should not. I love being a part of New York culture, and I’m lucky to have it because it pushes you to create by revealing your own shortcomings, misconceptions and all the amazing possibilities”.
What is – does it come from – the main inspiration( as art, film, music, literature) of your hats and the ones featuring in your latest collection too?
“Culture inspires me along with many other things. I am a visual thinker and that’s why I am attracted to images and video. When I’m working, I always have something playing in the background. I watch things that have nothing to do with fashion and it can lead to a marvelous idea. I guess you could say I am inspired by chance. If I see someone else’s work and it makes me want to get off my chair then that is how it starts. It could be a picture, something on the street, the color of the sky – it’s very hard to predict, and I let it all in.
The hat pictured with the veil on Talenthouse was inspired by Katharine Hepburn in the movie “The African Queen“. There is a quote from Katharine Hepburn that describes how I feel “I think most of the people involved in any art always secretly wonder whether they are really there because they’re good or there because they’re lucky”.
Concerning the making of my hats I usually custom them to fit a particular store. At this point, our size as a company allows us to work intimately with our customers”.
LOPETI ETU: LA SAGGEZZA DI UN CAPPELLAIO
Lopeti Etu, photo by King Redman
Lopeti Etu, brillante designer di cappelli che è nato in Oceania a Tonga e vive a New York – ha recentemente partecipato all’ invito creativo lanciato da Stephen Jones sulla piattaforma virtuale Talenthouse che offre la possibilità a giovani designer di esporre la loro creazione in occasione della mostra “Hats: an Anthology” che si terrà in settembre 2011 a New York presso il Bard Gratuate Center - si racconta parlando della propria vita, i ricordi del passato, il presente e le sue ispirazioni. Una splendida conversazione da cui si evince l’approccio artistico, usato nella creazione dei suoi visionari cappelli, nel vivere la vita all’insegna della gioia per le piccole, grandi cose protagoniste della vita di ogni giorno, qualcosa che dovrebbe essere ricordato più spesso per apprezzarne la magia.
Mi parli della tua carriera di designer di cappelli, quando hai iniziato a creare cappelli?
“Mio nonno ed il piccolo villaggio di Tonga dal quale provengo mi ha ispirato. Mio nonno era molto creativo con le sue mani e poteva fare di tutto come tutti quelli del mio villaggio di Kolonga, l’ingegno è una capacità di sopravvivenza. Quando mi sono trasferito a San Francisco ho vissuto con un gruppo di artisti ed é là che ho scoperto il mio amore per creare cappelli. Mi sono spostato a New York, mi sono occupato della scena dei locali notturni e ci é voluta una decina di anni prima che iniziassi a realizzare i cappelli da professionista. Con il sostegno del mio socio David Balluff, abbiamo deciso di creare il brand Lopeti Etu Millinery. Adesso sono trascorsi due anni due anni e naturalmente ciò ha i suoi alti e bassi, ma non lo avrei in un altro modo. La risposta è stata sorprendente. Amo lavorare per me stesso e non riesco a credere che ho aspettato ciò a lungo”.
In che misura la scena artistica – della downtown newyorkese – influenza il tuo lavoro di designer di cappelli?
“Non esco più, sicché mi baso su ciò che vedo ogni giorno per ispirarmi. New York è sempre di inspirazione perché non si ferma mai e l’energia é contagiosa. Mi sento come se non c’è alcun problema su come vanno le cose, quando sono sul treno, inizio a navigare il mio destino quel giorno. Non è mai ciò che si programma nella testa, ma diventa ciò che é. Talvolta mi accorgo che vedo tanto in questa città e ne capisco molto poco, se non assolutamente nulla. Posso essere talmente immerso ad osservare la silhouette di una donna che dimentico dove sto andando. Ciò che proviene dall’arte é tutto e niente. Qualche volta non so ciò che gli artisti stiano provando a dire e mi piacciono cose che probabilmente non dovrei apprezzare. Amo essere una parte della cultura di New York e sono fortunato ad averla poiché spinge a creare svelando i propri difetti, pregiudizi e tutte le sorprendenti possibilità”.
Qual’ é – e da dove proviene – la principale inspirazione (quale arte, cinema, musica, letteratura) dei tuoi cappelli ed anche quelli che sono protagonisti della tua ultima collezione?
“La cultura mi ispira unitamente a molte alter cose, Sono un pensatore visivo e ciò deriva dal fatto che sono attratto da immagini e video. Quando sto lavorando, ho sempre qualcosa che entra in scena sullo sfondo. Guardo cose che non hanno niente a che vedere con la moda e ne posso trarre una meravigliosa idea. Suppongo che potresti pensare che sia ispirato dalla possibilità. Se vedo il lavoro di qualcun altro e mi fa desiderare di destarmi dalla mia sedia e quindi ciò è il modo in cui inizia. Potrebbe essere un immagine, qualcosa per strada, il colore del cielo -
è difficile da prevedere e faccio entrare tutto ciò.
Il cappello con il velo raffigurato su Talenthouse è stato ispirato dal Katharine Hepburn nel film “La regina d’ Africa”. Ivi si trova una frase di Katharine Hepburn che descrive come mi sento: ” Ritengo che la maggior parte della gente che si occupa di qualsiasi tipo di arte si chieda sempre in segreto se sia là perché è brava o perché è fortunata”.
Riguardo alla genesi dei miei cappelli, solitamente realizzo i miei cappelli su misura per adattarsi in una particolare boutique. La nostra dimensione aziendale oggi ci consente di lavorare a stretto contatto con i nostri clienti”.
Lopeti Etu, photo by Jakob Sadrak
Lopeti Etu, photo by Jakob Sadrak
Lopeti Etu, photo by Phil Knott
Lopeti Etu, photo by Phil Knott
Lopeti Etu, hat featuring in the creative invitation by Stephen Jones, photo by King Redman
Patrick McDonald
Patrick McDonald, bright, eclectic, charming New York persona of fashion scene, considered as “The dandy” due to his iconic style – he has been a model, assistant buyer for Barney’s European collections, he worked for the brand Fiorucci during Seventies, then for the haute-couture brand Fabrice, columnist for magazines as PAPER, Arude and many other ones, appearing in books as “The Style Makers” by Marcia Sherrill and Carey Adina Karmel(Monacelli Press, 2001, $ 50, 00) and “American Fashion Menswear” by Robert E. Bryan (Assouline, 2009, $ 50,00) – featuring in “Four famous dandies paper dolls”(Paper Press, 2010, $ 12,00), book by the illustrator Jim Howard, including celebrated dandies as Lord George – The Beau – Brummell, Oscar Wilde and the Duke of Windsor tells about himself in the following interview with the marvelous tenderness and smartness of a genuine dandy, precious individual who is a successful evidence of elegance in appearing, being and acting.
What is the core of your aesthetics and ethic, “Less is more”, quotation by the celebrated dandy Beau Brummell to which extent is it close to your thought ?
“I believe in kindness and my good nature makes me sensitive to the gentler side of life and it’s fragile beauty. Tenderness makes me the person that I am.
“Less is More”, works for some but why not “More is Better”, that can work and it does for me most of the time. I am a canvas and I like a lot of paint to complete the picture”!
What do you think about fabulosity – word reminding Michael Alig and the Club Kids – and dandyism as standards evoking elegance, style, uniqueness, freedom and a subversive mood, are they more or less connected between themselves or instead are they far one from the other?
“I do not consider “Fabulosity” a word, I prefer “Marvelous” because it means good or pleasing, splendid or extraordinary. Dandies are a marvel! I find the club scene enchanting and fascinating. Dandyism and the club world can be connected, we are all creative beings and enjoy the art and drama of self presentation”.
What are your forthcoming projects?
“A fantastic Dandy Salon is in the works”!
PATRICK MCDONALD, LE MERAVIGLIE DEL DANDY
Patrick McDonald
Patrick McDonald, brillante, eclettico, affascinante personaggio newyorkese dell’ambiente della moda, considerato “Il dandy” per il suo stile iconico – é stato un modello, assistente buyer per le collezioni europee di Barney’s, ha lavorato per il brand Fiorucci negli anni Settanta, successivamente per il brand di alta moda Fabrice, editorialista per magazine quali PAPER, Arude e molti altri apparendo in libri quali “The Style Makers” di Marcia Sherrill e Carey Adina Karmel(Monacelli Press, 2001, $ 50, 00) ed “American Fashion Menswear” di Robert E. Bryan (Assouline, 2009, $ 50,00) – che è protagonista di “Four famous dandies paper dolls” (Paper Press, 2010, $ 12,00), libro dell’illustratore Jim Howard che include celebri dandy quali Lord George – il Beau – Brummell, Oscar Wilde ed il Duca di Windsor, si racconta nell’intervista che segue con la meravigliosa tenerezza e acume di un autentico dandy, preziosa individualità che è un felice esempio di eleganza nell’apparire, essere e agire.
Qual’é il nucleo della tua estetica ed etica, “Il meno é più” – affermazione del celebre dandy Beau Brummell – in che misura è vicino al tuo pensiero ?
“Direi che è il mio temperamento mite. Credo nella gentilezza e la mia natura bonaria mi rende sensibile al lato più gentile della vita ed é fragile bellezza. La tenerezza mi rende la persona che sono.
“Il meno è più” funziona per un pò, ma perché non “più é meglio” che può funzionare e fa per me la maggior parte delle volte. Sono una tela e mi piace tanto colore per completare il dipinto”!
“Che ne pensi della favolosità – lemma che ricorda Michael Alig ed i Club Kids – ed il dandismo quali standard che evocano eleganza, stile, unicità, libertà e un mood sovversivo, sono più o meno connessi tra di loro o sono invece lontani l’uno dall’altro”?
“Non considero la “favolosità” una parola, preferisco “meraviglioso”, perché sta a significare buono o piacevole, splendido o straordinario. I dandy sono una meraviglia! Trovo che la scena dei locali notturni sia incantevole e affascinante. Il dandyismo ed il mondo dei locali notturni può essere legato, siamo tutti esseri creativi e apprezziamo l’arte ed il dramma della autorappresentazione”.
Quali sono i tupi progetti futuri?
“C’è un fantastico Dandy Salon tra i lavori in corso d’opera”!
Patrick McDonald
Patrick McDonald
Patrick McDonald
Patrick McDonald
Patrick McDonald and Jim Howard
Patrick McDonald
- Fred Sonic Smith & Patti Smith, 1978 / Pravda, Sue & Mac 2007 (c) Sue Rynski
Sue Rynski‘s journey into photography began in the late Seventies, as she got involved in Detroit’s rock underground scene and joined up with the Michigan art collective and band Destroy All Monsters. Sonic’s Rendezvous Band, Pere Ubu, Iggy Pop, Patti Smith, Ron Asheton, The Dead Boys, Johnny Thunders are among the numerous rockers she has photographed. Today, the artist is a Paris resident and rockn’roll continues to be her muse. Her photographs are telling stories, capturing moments of raw energy, passion, and bliss.
FDG: From Detroit to Paris, you’ve always been drawn to the underground rock scene. Can you tell us about the inspiration you find there ?
SR: “I love the music! The powerful energy of live music physically possesses the body: mine, the musicians’, the crowd and is translated into emotion, movement, mastery and abandon. The clubs are small, there’s spontaneity, freedom, joy. The musicians and the crowd are there because they truly love it”.
FDG: Your upcoming exhibition “SUE RYNSKI – ROCK: DETROIT 70 à PARIS 00″ focuses on the connections between the underground rock scenes of two different cities in different decades. How did you come up with this concept?
SR: “Both are places and periods where I’ve loved the energy of the scene and have done a concentration of photography. It was natural to look at them together. The two scenes have much in common musically and also in the multitude of bands doing original material in a multitude of small clubs.
My black and white photographs from the late seventies have been widely exhibited, most recently at the Rencontres d’Arles Photography Festival this year (exhibition “I Am A Cliché: Echoes of the Punk Aesthetic”, curated by Emma Lavigne). I wanted now to give some recognition to the Paris scene. The juxtaposition of the eras and of black & white with color photos just looks right together. Each Seventies photo is followed by a 2000s photo that works like an echo. It’s kind of a museum exhibition, an in your face look at rock in a 30-year interval! There’s Johnny Thunders next to France de Griessen, Ron Asheton next to Warren Ellis, Patti Smith next to Anatomie Bousculaire…
I’m especially pleased that some of the local musicians who are in the photos will be playing at the opening: Guts Guttercat & Link Lickens of Guttercat & The Milkmen and of course France de Griessen, one of my muses, with whom I have several projects”.
FDG: There is a lot of emotion in your images and also an amazing sense of composition and use of textures. Is it something that you think about before taking a photo or rather an instinct?
SR: “The short answer is instinct and what I’m naturally drawn to. My eye is drawn to movement and I feel the emotions. As for composition, ever since childhood I’ve been framing things with my eyes, lining things up, creating a mental frame around them, and changing position to reframe from another angle. I go for these things while I’m photographing, I don’t really think about it before”.
UNA CONVERSAZIONE SU ROCK’N ROLL & FOTOGRAFIA CON SUE RYNSKI A CURA DI FRANCE DE GRIESSEN
- David Thomas, Pere Ubu, 1978 / Pere Ubu soundcheck, 2009 (c) Sue Rynski
Il viaggio nella fotografia di Sue Rynski é iniziato alla fine degli anni Settanta, essendo coinvolta nella scena rock underground di Detroit ed essendo entrata a far parte del collettivo artistico Michigan art collective e della band Destroy All Monsters. Sonic’s Rendezvous Band, Pere Ubu, Iggy Pop, Patti Smith, Ron Asheton, The Dead Boys, Johnny Thunders sono alcuni delle molteplici rock-star che ha fotografato. Oggi l’artista risiede a Parigi ed il rock n’roll continua ad essere la sua musa. Le sue fotografie raccontano storie, catturano momenti di pura energia, passione ed estasi.
FDG: Da Detroit a Parigi ti sei sempre accostata alla scena rock underground rock, qual’è l’ispirazione che trovi in questo ambito?
SR: “Amo la musica! La potente energia della musica dal vivo fisicamente si impadronisce del corpo: il mio, quello dei musicisti, della folla ed é tradotto in emozione, movimento, controllo e abbandono. I club sono piccoli, c’è spontaneità, libertà, gioia. I musicisti e il pubblico sono là perché lo amano davvero”.
FDG: La tua prossima mostra “SUE RYNSKI – ROCK: DETROIT 70 à PARIS 00″ é incentrata sui legami tra le scene rock underground di due diverse città in due distinte decadi. Come é nata tale idea?
SR: “Entrambi sono luoghi e tempi di cui ho amato l’’energia della scena e ho realizzato una concentrazione di fotografia. È stato naturale guardare loro insieme. Le due realtà hanno tanto in comune, musicalmente ed anche nella moltitudine di band che realizzano materiale originale in diversi piccoli locali.
Le mie fotografie in bianco e nero della fine degli anni Settanta sono state ampiamente esposte, più recentemente presso l’edizione di quest’anno del Festival di Fotografia Recontrer d’ Arles (la mostra “I Am A Cliché: Echoes of the Punk Aesthetic”, curata da Emma Lavigne). Adesso volevo dare un riconoscimento alla scena parigina. La giustapposizione delle epoche e foto in bianco e nero e a colori sta davvero bene insieme. Ogni foto degli anni Settanta è seguita da una foto del 2000 che sembra un eco. È un tipo di esposizione museale, uno sguardo esilarante sul rock in un intervallo di 30 anni. C’ é Johnny Thunders accanto a France de Griessen, Ron Asheton accanto a Warren Ellis, Patti Smith accanto Anatomie Bousculaire…
Mi fa soprattutto piacere che alcuni dei musicisti locali che appaiono nelle foto suoneranno all’inaugurazione: Guts Guttercat & Link Lickens dei Guttercat & The Milkmen e naturalmente France de Griessen, una delle mie muse con la quale ho diversi progetti”.
FDG: Si trova tanta emozione nelle tue immagini ed anche un sorprendente senso della composizione ed uso delle strutture. È qualcosa che pensi prima di scattare una foto oppure é un istinto?
SR: “La risposta breve è un istinto ed é ciò a cui mi sono naturalmente avvicinata. Il mio occhio si è accostato al movimento e sento le emozioni. Come per la composizione, sin da quando ero bambina ho incorniciato le cose con i miei occhi, allineandole, creando una cornice mentale intorno a loro e cambiando posizione per creare una nuova cornice da un altro angolo. Scelgo tali cose quando sto per fotografare, non ci penso per nulla prima”.
It will be opened on 13th January 2011 at Paris L’Apostrophe “Rock: Detroit 70 à Paris 00” and it will run until 10th February 2011, a photo exhibition by Sue Rynski, exploring the world of rock in Detroit during Seventies – peopled by emblematic personas as Johnny Thunders – and featuring also the live performance by the smashing, vibrant artist France de Griessen. A not to be missed happening for all the ones who are devoted to art and rock’n roll.
“ROCK: DETROIT 70 À PARIS 00”, UNA MOSTRA DI SUE RYNSKI PRESSO L’APOSTROPHE DI PARIGI CON FRANCE DE GRIESSEN
Sarà inaugurata il 13 gennaio 2011 presso L’Apostrophe di Parigi “Rock: Detroit 70 à Paris 00” e proseguirà fino al 10 febbraio 2011, una mostra fotografica di Sue Rynski che esplora il mondo del rock a Detroit negli anni Settanta – popolato di personaggi emblematici quali Johnny Thunders – che include anche l’ esibizione dal vivo della formidabile, vibrante artista France de Griessen. Un evento imperdibile per tutti coloro che sono devoti all’arte e al rock’n roll.
“Collapse into now”, the latest album by celebrated Athens alternative-rock band R.E.M. – formed by Michael Stipe, Peter Buck and Mike Mills – will be released on 8th March 2011 – and on 7th March 2011 in Europe -, including 12 tracks recorded in Berlin and New Orleans studios, featuring artists as Patti Smith, Lenny Kaye, Eddie Vedder, Joel Gibb and Peaches.
“COLLAPSE INTO NOW”, L’ULTIMO ALBUM DEI R.E.M.
“Collapse into now”, l’ultimo album della celebre band di alternative-rock di Athens R.E.M. – formata da Michael Stipe, Peter Buck e Mike Mills – sarà pubblicato l’ 8 marzo 2011 - e il 7 marzo 2011 in Europa -, include 12 brani registrati negli studi di Berlino e New Orleans di cui sono protagonisti artisti quali Patti Smith, Lenny Kaye, Eddie Vedder, Joel Gibb e Peaches.
